Metal

Quando si parla dei Mayhem il disco che si cita quasi sempre è De Mysteriis Dom Sathanas, ed è giusto così: è uno dei lavori fondamentali e seminali del black metal norvegese. Ma è in Deathcrush, che è un EP e non un album vero e proprio, che il suono della band nasce davvero. Per noi è anche un disco migliore del suo più celebre successore, e resta un ascolto imprescindibile per chiunque voglia avvicinarsi al genere. Registrato a Kolbotn e uscito nel 1987, è un lavoro sporco, frammentato, ancora privo di una visione estetica compiuta. Proprio per questo funziona.

Si parte con Silvester Anfang, un’intro elettronica firmata da Conrad Schnitzler, che Euronymous andò a cercare di persona fino a casa. I suoi tamburi non promettono nulla di buono e fissano subito l’atmosfera angosciante del disco. Poi arrivano i riferimenti thrash, con la cover di Witching Hour dei Venom a dichiararli apertamente. E soprattutto c’è la voce unica di Maniac.

Sono diciassette minuti, pochi ma incisivi, e la title track ne è il cuore. Tra riff, batteria e arrangiamento è semplicemente una traccia potente e bella, ancora oggi uno dei brani più forti del repertorio dei Mayhem: un vero e proprio giro agli inferi. Per compattezza, calibro della band e qualità del prodotto, Deathcrush è forse uno dei migliori punti di accesso al genere che si possano trovare.

Decimo album in studio per i Godflesh, band industrial metal di Birmingham. Sei tracce per 42 minuti di metal freddo, industriale, cupo ed estremamente angosciante, con ampie sezioni drone e una voce che c’è ma non si lascia afferrare: distorta, urlata, sepolta sotto il resto, a tratti illeggibile. Parte di queste poche voci, tra l’altro, Justin Broadrick l’ha registrata dopo un intervento chirurgico.

Non è un disco metal tradizionale, è un’esperienza d’ascolto a sé: ipnotica, deformata, ossessiva. La produzione è claustrofobica dall’inizio alla fine, e il dolore fisico e psicologico qui non passa dalle parole ma dal suono, che si prende tutto il peso del racconto. E ci riesce attraverso la ripetizione martellante di suoni metallici, riff meccanici e drum machine che battono pesante. I momenti più forti sono Consume Me, quasi dodici minuti senza un passo regolare mentre le chitarre si accumulano sempre più, e Fear of Man, dove la voce resta relegata sullo sfondo e il testo ha una essenzialità disarmante. Un altro disco che si aggiunge alle migliori uscite metal di quest’anno.

Questo è uno di quei dischi in cui ci si imbatte per caso, scrollando pagine infinite di nuove uscite. Gli Avhath sono una band praticamente sconosciuta, originaria di Jakarta, al primo disco ufficiale dopo alcuni EP usciti negli anni precedenti (in realtà sono in attività dal 2012).

Il disco non è uno di quelli che ti entrano subito in testa, capisci che c’è qualcosa di attrattivo, ma ai primi ascolti probabilmente non capisci cosa veramente lo rende attrattivo. Gran parte del motivo è la voce, che non è lo scream tipico del black metal: è meno acuta, quasi femminile, e per questo richiede tempo per essere assimilata. Ma non è un difetto, anzi è la particolarità del disco, e quando ci si arriva il disco ripaga.

Il suono è black metal, tra l’atmosferico e l’aggressivo fatto di blast beat e tremolo, però con contaminazioni punk e hardcore punk, specialmente nella scelta dei ritmi e nella batteria. Manic Visions ne è l’esempio più chiaro: attacca black, poi la batteria cambia marcia e prende altre direzioni fino a spegnersi poi del tutto e si entra in una dimensione sospesa e angosciante, con voci lontane e disperate, prima che rientri tutta la furia delle chitarre pesanti. This Forlom Being è un’altra traccia molto riuscita, forse la più propriamente atmospheric black. E anche altri brani giocano su questi contrasti, nonostante siano tutti relativamente brevi.

Non è un disco semplice, ed è proprio questo il bello. Se cerchi qualcosa di moderno nel black metal, e magari ti sono piaciute certe cose degli Agricolture o dei Liturgy, qui trovi un disco di una band che sa il fatto suo e promette bene.

Per qualcosa di pesante e senza fronzoli, Abgrund fa il suo lavoro. I Consvmer sono una band tedesca di formazione piuttosto recente e questo è il loro terzo progetto ufficiale. Sono undici brani per meno di mezz’ora di metalcore e deathcore con parecchio beatdown dentro, con suoni e produzione aggressivi quasi dall’inizio alla fine. I pezzi sono cortissimi, alcuni durano poco più di un minuto. Il disco ti arriva addosso, colpisce e passa oltre senza lasciarti il tempo di respirare, come il metalcore più duro.

Ogni tanto, però, l’aggressività si ferma. In quei momenti entrano stratificazioni elettroniche che ricreano atmosfere tra l’angosciante e il misterioso e illuminano un po’ il mood, altrimenti piuttosto cupo. In alcuni punti si sentono perfino degli scratch, una cosa curiosa da trovare in questo genere. I pezzi che funzionano meglio sono Einsam, Gift e Wunden.

Il limite è che non ha una voce propria. Resta un ottimo esempio di genere, ma non lo sposta di un centimetro. Forse il discorso cambia per chi il tedesco lo capisce, visto che i testi hanno un senso, affrontando temi dalla solitudine alla perdita, e probabilmente è lì che il disco arriva di più.

Non è un disco imperdibile, ma nemmeno un ascolto sprecato. Ottimo per spingere qualche peso in più in palestra.

Cosa deve fare bene un disco blackgaze? Costruire quell’atmosfera sonora sospesa e nebbiosa, intrecciata nella melodia, che ti tiene sull’orlo del rasoio prima che i blast beat entrino a devastare tutto. Gli Asunojokei, band giapponese di Taito arrivata al secondo album ufficiale dopo l’esordio del 2018, ci riescono benissimo e consegnano uno dei progetti meglio riusciti del genere.

Il modello è quel blackgaze “solare” alla Sunbather, fatto di note calde e chitarre che intrecciano melodie e brillano di luce propria. L’immaginario è quello di terre calde più che di inverni gelidi norvegesi, e non a caso il titolo, Island, e la copertina richiamano questi mondi. Poi arrivano i blast beat, potenti e martellanti, a entrare in tracce come Chimera (キメラ) o The Forgotten Ones (忘却過ぎし), giusto per citare due brani che riteniamo tra i migliori.

La voce è l’elemento più particolare e potrebbe non piacere su queste sonorità: uno scream che guarda più allo screamo e al post-hardcore che a quello acuto e angosciante del black metal, e che al primo ascolto può sembrare fuori luogo. Ma è un disco che cresce. Man mano che capisci come si muovono i brani, tra sospensione e deflagrazione, anche la voce trova il suo posto e inizi ad apprezzarla. Un gran disco, che funziona bene.

Un disco nato da una serie di sfortune incredibili, che hanno colpito più di un membro della band. C’è la morte della madre di Dailor, a cui sembra essere dedicata Your Ghost Again, la traccia migliore del disco a detta nostra. C’è la scomparsa di Brent Hinds, l’ex chitarrista, che aveva lasciato i Mastodon nel marzo 2025 ed è morto pochi mesi dopo in un incidente in moto. E c’è la casa in Florida di Sanders, persa a causa dell’uragano Helene. Con un’origine così, Marrow Deep non poteva essere un disco leggero, e infatti non lo è. Il suono è massiccio, quasi in cerca di un esorcismo di tutto quel male, di un modo per trionfarci sopra.

La base è il progressive metal, con le sue variazioni e le sue aperture melodiche, affidate soprattutto ai synth del nuovo arrivato João Nogueira. Sopra, però, ci sono riff e batteria di una densità che arriva dallo sludge e dallo stoner. Il lavoro di produzione sta nel mezzo: non è lucidata fino all’eccesso, ma non è nemmeno sporchissima, e lascia respirare questa miscela senza appiattirla.

I momenti migliori sono diversi. Snakes for Dinner ha un’energia che trascina. Barbarians Blood è tra le tracce più furiose che i Mastodon abbiano mai scritto. In The Ruins ha un ritornello breve ma efficace e un arrangiamento divino. Your Ghost Again resta il centro emotivo. Cresce di intensità lungo tutto il brano, nella voce e nella batteria, con una dinamica che ti prende. Il testo torna di continuo sull’immagine di quel fantasma rivisto ancora una volta, accompagnato da un rimpianto che schiaccia. È il rimpianto di non aver detto a una persona quello che si voleva dirle, e ora lei non c’è più. Una delle cose più dure da accettare quando qualcuno muore.

Non è un disco che stravolge il genere, ma d’altra parte i Mastodon sono una band avviata e questo è il loro nono album. Quello che fa, lo fa però con un suono ruvido e insieme toccante, capace di trascinarti al momento giusto. Un lavoro che rientra senza problemi tra le uscite migliori di quest’anno.

Si può restare ancora sbalorditi da una band che ha già firmato Sunbather, New Bermuda e Infinite Granite? A quanto pare sì, e la prova sono questi 23 minuti, che fin dai primi ascolti si rivelano una delle cose più pesanti mai uscite dalla loro carriera.

L’anno scorso i Deafheaven erano tornati con uno dei migliori dischi metal degli ultimi anni, Lonely People With Power, che lasciava da parte le derivazioni shoegaze, o meglio le fondeva in un suono più aggressivo e black metal, comunque illuminato da arrangiamenti melodici. Questo EP, uscito il 9 ottobre per Roadrunner e prodotto da Arthur Rizk (Blood Incantation, Power Trip), fa un altro passo in quella direzione. È un black metal quasi primordiale, gelido, a tratti vicino al suono delle band degli albori come Immortal o Emperor nelle derivazioni più sinfoniche, con assoli freddi, tremolo picking continuo, un’atmosfera funebre da cerimonia e qualche passaggio che sconfina nel blackened death. Del blackgaze solare dei dischi precedenti non c’è più traccia.

Sulla carta sono due brani più un interludio dark ambient, Three Princes. Hunter è potentissima, e lo è per come evolve: il finale è un’escalation di furia che non lascia respiro. Sorry Laid The Hearth, quasi tredici minuti, chiude con una scena che ti schiaccia: gli ultimi cinque minuti sono semplicemente clamorosi. Atmosfere ipnotiche e straniamenti alla Burzum, con un sottofondo di synth angosciante, si fondono con un muro di suono che cresce e ti devasta.

Nemmeno il tema è leggero. Il titolo arriva dal libro fotografico di Robert Del Tredici sull’industria nucleare, e l’EP mette in musica la devastazione delle armi atomiche, un argomento più attuale che mai. Se l’idea era portarci dentro un inverno nucleare, ci sono riusciti benissimo.

Qui i Deafheaven non inventano nulla di nuovo: rifanno qualcosa che si era già sentito, ma lo fanno a regola d’arte, e a volte basta questo. Se non senti il bisogno di un suono inedito ma vuoi vedere dei maestri maneggiare il black metal più cupo, sei arrivato nel posto giusto. Speriamo che nel prossimo disco sviluppino ancora questa versione più pesante di loro, visto che hanno dimostrato di saperla gestire. Un capolavoro. L’ennesimo.

Quarto disco dei Carcass, band storica di Liverpool, tra i dischi fondamentali del filone melodic death che poi band come In Flames, Dark Tranquillity e Children of Bodom hanno reso popolare. Rispetto ai lavori precedenti, più grezzi e vicini al grind, qui la band fa un passo avanti e di lato: riff pesanti e blast beat convivono con assoli melodici, spesso quasi tecnici, che spezzano l'atmosfera cupa e tesa tipica del death. Le urla restano rabbiose, ma dentro un'estetica più levigata. Non è né un pregio né un difetto, è semplicemente un'altra versione dei Carcass, e comunque una buona versione. A intrecciarsi con Bill Steer nelle parti soliste c'è Michael Amott, chitarrista svedese che lascerà la band subito dopo le registrazioni per fondare prima gli Spiritual Beggars e poi gli Arch Enemy. Un'uscita di scena che dice già molto su dove stava andando il genere.

I testi spaziano parecchio: dalla morte, il tema più ovvio, a questioni più impegnate come la guerra e l'anima umana. Tra i brani più interessanti ci sono Carnal Forge e Arbeit Macht Fleisch, con attacchi pesanti come macigni, e Doctrinal Expletives.

Il limite, se vogliamo chiamarlo così, è l'hook. Alcuni dischi melodeath sono riusciti a diventare quasi pop: The Gallery dei Dark Tranquillity ha dentro vere hit come Punish My Heaven. Heartwork quel ritornello orecchiabile non ce l'ha. È un disco quasi tecnico, con un equilibrio solido tra pesantezza e melodia, che però lascia l'immediatezza ad altri. E in questo, nel genere, c'è chi gli passa davanti. Il suo valore storico e la sua qualità restano comunque innegabili: se stavi cercando il punto in cui il death ha iniziato a fare i conti con la melodia, non saranno 42 minuti sprecati.

Il singolo PEN I S MALL aveva già fatto intuire che il terzo disco dei Chat Pile, rock band di Oklahoma City, sarebbe stato di un certo livello, e la conferma è arrivata. Who Loves the Sun ti prende fin dai primi ascolti grazie a un equilibrio tutt'altro che scontato: noise rock e derive sludge tenuti insieme alla perfezione, con ritornelli molto più melodici di quanto ci si aspetti da queste parti, di ispirazione alternative rock. Un approccio quasi pop allo sludge, insomma, anche se le chitarre restano pesanti e il suono greve e opprimente, in un disco che ti trascina anche concettualmente in una dimensione apocalittica, alienante, angosciante.

Quello che colpisce è la produzione grezza, sporca al punto giusto — non a caso il disco è praticamente autoprodotto — e ovviamente gli scream di Raygun Busch, che squarciano tutto come il ruggito di un cane rabbioso. Caotici, disperati, incomprensibili ma di una bellezza magnetica, arrivano spesso come il culmine di un climax dentro i brani.

PEN I S MALL resta uno dei punti più alti del disco. Titolo e testo nascono dal periodo in cui Busch lavorava come manutentore in un centro commerciale di Oklahoma City. Quel titolo spezzato, però, sembra anche un gioco di parole su "penis small": non si sa se sia voluto, ma la lettura è difficile da ignorare. Le stanno accanto tracce altrettanto potenti e interessanti, come l'apertura Creature e la disturbante Family Funeral.

Se sei arrivato fin qui cercando qualcosa di pesante ma che ti resta in testa, hai trovato uno dei dischi metal che quest'anno starà nella parte alta della classifica.

Quarto disco ufficiale della band blackgaze americana Infant Island, scritto nel pieno della pandemia ma rifinito e limato per anni prima di vedere la luce. Dentro condensa proprio quei temi — isolamento, catastrofismo climatico, perdita collettiva — in un percorso quasi catartico che divide il disco musicalmente in due parti. Una prima parte molto più violenta e aggressiva, dove predominano i blast beat, i muri di suono, uno scream importante e delle influenze molto più noise. Poi da Amaranthine, e specialmente con le ultime tracce, il ritmo si abbassa, subentrano sezioni più atmosferiche e post-rock/shoegaze, con anche alcuni ospiti che portano dentro voci melodiche e avvolgenti: Andrew Schwartz dei .Gif from God, presente in più tracce, e i membri della shoegaze band Greet Death, che intervengono su Kindling.

C'è un dettaglio nel modo in cui è gestito il cantato che colpisce più di ogni tecnicismo: a volte lo scream si interrompe e lascia spazio a qualche parola detta in voce pulita, quasi come se chi canta si fosse sforzato troppo per reggere il grido. È reso in maniera naturale, mai calcolata, e rende tutto molto vivo, vero.

With Shadow è forse il momento che meglio racchiude questa dinamica tra le due anime del disco: scream irruento, batteria intensa e pesante ma su una bellissima melodia sospesa e sognante nel sottofondo.

Obsidian Wreath non è un disco che inventa qualcosa di nuovo e si muove in un terreno musicale già ampiamente battuto, però con questo progetto, e su appena 36 minuti di disco, Infant Island è riuscita comunque a condensare una bella esperienza di ascolto, dinamica, con tutti quegli elementi tipici del blackgaze, molto Deafheaven, che piacciono a chi mastica il genere.

Di dischi death metal storici e perfetti da manuale ce ne sono molti, di dischi death metal come Focus dei Cynic ce ne sono pochissimi o forse nessuno. I Cynic, e in particolare con questo disco, si distinguono perché non fanno dell'aggressione e della brutalità il loro cavallo di battaglia. E non a caso Paul Masvidal e Sean Reinert arrivavano dritti dritti dalle session di Human dei Death, uno dei dischi che quella brutalità l'aveva già rimessa in discussione. Con Focus la spingono ancora più in là. Il progetto, fin dalla copertina, ruota maggiormente attorno a temi di misticismo orientale e spiritualismo, e questo tematismo lo si ritrova nel sound del disco: ci sono growl, ritmi serrati e sezioni molto tecniche e quasi progressive, ma anche passaggi più calmi, con innesti jazz fusion e una voce pulita passata al vocoder che è probabilmente la cosa più estranea che si possa sentire in un disco death metal. La produzione in generale è molto meno violenta, le chitarre e la batteria non sono lì per devastarti, anzi a volte tessono melodie quasi rubate al progressive metal. Uno degli episodi più indicativi in questo senso è Textures.

I brani più di impatto e travolgenti sono sicuramente l'apertura Veil of Maya, che setta subito il livello del disco e ha uno degli assoli più belli e articolati del progetto, o Sentiment, che suona quasi come un rito cosmico, musicalmente e concettualmente.

È un ottimo disco, di quella categoria di progetti che provano a spingere un genere in territori estranei: qui è il death metal che perde un po' quella sua aura oscura, tenebrosa, e si illumina di una luce diversa. Un esperimento talmente ambizioso, tanto che l'anno dopo i Cynic si sciolsero, e per quindici anni Focus è rimasto lì da solo, senza un seguito, arrivato solo nel 2008 con Traced in Air. Ancora oggi si fa ascoltare come un piacere, e forse è anche per questo: un lampo unico che non si è ripetuto più.

Interstice è il disco d'esordio dei Knoll, sestetto death metal/deathgrind di Memphis. Che siano originali lo possiamo dire. Propongono un death metal contaminato da grindcore e noise, con qualche innesto quasi black metal, ma dentro non ci trovi solo growl, blast beat e ritmi impazziti. I brani sembrano iniziare tutti con degli intro più lenti che creano situazioni angoscianti, sospese e tese, che ti preparano solo in parte a quello che viene dopo. I ritmi infatti poi si spezzano e tutto esplode, piombando nel noise e nel caos più estremo — come in Grasp, che dopo qualche linea distorta di chitarra che intona una musichetta quasi da film horror scivola sul finale in un vortice di distorsioni, growl e scream estremi alternati. O Scattered Prism, che apre con un rumore di fondo assordante che cresce di intensità, prima che arrivino le chitarre come lame affilate, dissonanti, imprevedibili, a rompere tutto.

Dietro la furia c'è anche un impianto concettuale. La band stessa ha descritto infatti Interstice come una riflessione sui lati più grotteschi dell'essere umano lungo un percorso lineare nel tempo. Non è un disco che ti sbatte il concept in faccia, ma si sente che i brani sono posizionati e studiati per costruire un racconto più che una sequenza di episodi. A dare ulteriore peso al tutto, il mix è firmato da Kurt Ballou dei Converge, che restituisce al suono una pesantezza sporca ma controllata.

Distinguersi in questa scena — quella del grindcore/deathgrind contemporaneo, affollatissima di band che pescano dallo stesso bacino sonoro — non è semplice. Ma i Knoll il fatto loro lo sanno fare: Interstice è un disco valido, estremo ma di un'estremità studiata e non buttata a caso.

Terzo disco ufficiale degli Iron Maiden, primo con Bruce Dickinson alla voce dopo l'addio di Paul Di'Anno, e probabilmente il disco che ha reso i Maiden quello che sono: la title track e Children of the Damned sono ormai le loro vere "hit metal", quelle che chiunque riconosce anche senza essere un fan sfegatato. Ed è un disco di heavy metal da manuale: doppia chitarra, riff virtuosistici ma sempre melodici, alternanza tra passaggi aggressivi e tappeti più atmosferici.

La cosa che lo rende speciale, però, è che riesce a essere metal e insieme immediato, catchy, senza mai scadere nel patinato. La melodia qui viene usata nel verso giusto, non per addolcire tutto ma per dargli fuoco in modo diverso. Lo capisci bene su Children of the Damned, una super ballata con un ritornello che entra in testa al primo ascolto, ma anche su Gangland, che arriva con un assolo serrato e travolgente. Questi due sono probabilmente gli episodi meno citati del disco (tutti parlano di Run to the Hills o della title track), ma è proprio in questi due brani che secondo noi il disco dà il meglio di sé. Quando serve, i Maiden sanno comunque anche essere più ruvidi: la title track stessa è un'incursione più aggressiva, a dimostrare che "accessibile" non vuol dire aver smussato tutti gli angoli.

La voce di Dickinson è cristallina, epica, esattamente quello che serviva per portare le canzoni di Steve Harris a un livello più ampio. Il tutto tenuto insieme da una durata contenuta che su 8 tracce non perde mai colpi. È probabilmente il disco più importante della discografia dei Maiden, quello che li ha lanciati definitivamente come band fondamentale per il genere. Scontato dire che è un ascolto imprescindibile per chi ama il metal, ma proprio per questo suo sound così ben calibrato può piacere anche a chi di solito il metal lo snobba.

Se cercate le liste dei dischi metal più fighi degli anni '90, difficilmente troverete questo disco. Il death-doom e il gothic metal non erano di certo le sottoculture più in vista in quegli anni, eppure questo è un gran lavoro, di quelli che non si aprono subito, ma sedimentano nel tempo fino a rivelare tutta la loro bellezza.

È il secondo progetto ufficiale dei Katatonia, ed è nato da una necessità pratica: Jonas Renkse, cantante della band, aveva rovinato le corde vocali cantando le parti estreme sul disco d'esordio, così si è spostato alla batteria, lasciando le voci screammate all'amico Mikael Åkerfeldt degli Opeth. Renkse torna a cantare solo in Day, ma con voce pulita, un cambio di registro che rende quel brano ancora più straniante rispetto al resto.

Il disco è fatto di lunghe strumentali spesso monotone, muri di suono gelidi che a tratti richiamano certo black metal, capaci di evocare paesaggi notturni e invernali e di farti entrare in una sorta di trance. Poi l'ipnosi viene interrotta da cambi di ritmo e variazioni melodiche, che dopo qualche secondo ti ipnotizzano di nuovo. Endtime, Rainroom o Murder sono gli esempi migliori di questo meccanismo. C'è un'aria di estrema malinconia che aleggia su tutto il disco, e che a volte trova picchi di struggente intensità emotiva, come nella già citata Day, una delle tracce più belle dell'album.

È un disco che può piacere anche a chi il metal non lo ascolta abitualmente, se si apprezzano quelle atmosfere notturne, oscure, a tratti rarefatte che si ritrovano anche in certi gruppi rock come i The Cure. Non a caso c'è chi ha notato più di un'eco di Cocteau Twins e Slowdive dietro questo sound, qui però rivestita di chitarre più pesanti e degli scream di Åkerfeldt. Non è un disco bello per meriti storici o di nicchia: è genuinamente bello, di una bellezza che si rivela per gradi e più lo ascolti più cogli quelle sfumature che ti fanno dire… ma che disco è!

Ammettiamo di non essere fra i grandi conoscitori di questa band, che comunque è unanimemente considerata una delle più innovative nel panorama metal/metalcore degli ultimi anni. A Stranger To You è il quarto disco ufficiale, e arriva a quasi cinque anni di distanza dall'ultimo lavoro pubblicato — l'intermezzo ambient The Things They Believe, mentre il vero predecessore "canonico", I Let It In And It Took Everything, risale addirittura al 2020.

Se sei abituato al metalcore "tradizionale" — riff violenti, elettronica che spinge i bpm verso l'alto — qui trovi qualcosa di diverso, o meglio: non solo quello. Già dall'intro, Entrance, sembra quasi di aprire le orecchie su un disco hip-hop, e da lì in poi il disco continua a cambiare pelle, passando da brani più aggressivi a incursioni in stile dream pop/shoegaze come la bellissima The Way It Breaks. Insomma, in questo lavoro i Loathe dimostrano di saper muoversi davvero tra generi molto distanti tra loro, costruendo comunque un prodotto che suona organico, con una coerenza artistica riconoscibile. Ed è proprio questo mix di generi contrastanti a renderlo un disco più caldo e avvolgente rispetto ai classici metalcore, energeticamente più contenuto e contemplativo.

Ci sono diversi brani oggettivamente forti — dove riff e batteria spingono, come in Fortress Down e Gemini, o dove l'elettronica prende il sopravvento, come in Fangs. Quello che sembra mancare a questo disco, però, non è concentrato in un punto preciso ma diffuso lungo tutto l'ascolto: non c'è quella melodia, quel singolo momento che ti faccia dire "incredibile". O almeno noi non l’abbiamo trovata. È come se facessero tutto bene, ma niente alla perfezione.

Detto questo, resta un disco validissimo, uscito quest'anno, e se ti stai avvicinando al genere non può che essere un ascolto che il Crate consiglia. Se eri un vecchio fan dei Linkin Park, qui ritrovi lo stesso tipo di equilibrio che loro sapevano costruire tra sezioni melodiche, ritornelli e momenti più aggressivi — un "pop-metal" fatto bene, insomma.

Ottavo disco dei Deicide, uscito nel 2006. Un altro capitolo di una discografia fittissima, firmata da una delle band di punta e storiche del death metal. Non è tra le gemme della loro carriera e non fa nulla di rivoluzionario per il genere, ma resta innegabile la capacità della band di mettere insieme brani potenti, assoli incredibili, blast beat magnetici e un growl che rimane unico nel panorama.

Il salto di qualità sugli assoli si spiega anche con chi li suona: è il primo disco con Jack Owen (arrivato dai Cannibal Corpse) e Ralph Santolla (ex Iced Earth) alle chitarre, al posto dei fratelli Hoffman. Il risultato si sente, soprattutto nei momenti più tecnici del disco. Non è un disco che lascia il segno nella sua interezza, ma dentro ci trovi brani che se ami il genere difficilmente non ti catturano: la title track, con uno dei suoi assoli più notevoli, Not of This Earth, e soprattutto Homage for Satan, uno dei brani migliori della loro discografia, con un assolo infernale, un ritornello brutalissimo e uno dei videoclip più iconici del genere.

Se non conosci i Deicide, parti dall’inizio. Ma se li conosci già, probabilmente qui troverai qualche altra traccia che fa al caso tuo.

Questa band svedese nata a Stoccolma nel 1995 ha lasciato un solo disco, questo Death, Pierce Me. É uno dei dischi principali del così detto filone "depressive/suicidal" o DSBM, sottogenere del black metal con tematiche strazianti, estreme che vanno dal suicidio e la morte all'antisemitismo — c'è un brano, I Shall Lead, You Shall Follow, che tratta esplicitamente di nazismo e Olocausto, in modo ambiguo, senza mai chiarire se con simpatia o solo in chiave descrittiva.

Non è un disco semplice perché lo scream di Nattram é quasi da manicomio psichiatrico, al punto che ci sono speculazioni sulla sua sanità mentale — si dice che durante le registrazioni si sia autolesionato tagliandosi polsi e mani, e quel gesto si sente tutto in quella voce. Al primo ascolto potresti non riuscire a comprenderlo, lo scream sembra quasi comico. Poi leggendo i testi, e riascoltandolo, capisci che quello scream si porta dietro qualcosa di veramente oscuro, straziante, nonostante sia così acuto. Con gli ascolti in qualche modo quel suono si insinua e ti attrae in maniera strana.

Al di là dello scream però che può risultare complesso, musicalmente é un black metal suonato benissimo, con momenti più tetri e quasi da cinema horror/thriller come l'incipit di The Slow Kill in the Cold a blast beat e riff gelidi come nella title track. Se si vogliono approfondire quei rami più estremi di un genere già di per sé ai confini, é sicuramente un disco da ascoltare.

A cinque anni da Tales of Othertime, gli Stormkeep tornano con un disco che già dalla copertina promette bene, e il contenuto lo conferma: se possibile, un passo avanti rispetto al precedente capitolo. Quello che colpiva di Tales of Othertime era un black metal ispirato al mondo fantasy, con incursioni melodiche e passaggi atmosferici ben riusciti, su una produzione rifinita e godibile. The Nocturnes of Iswylm si muove nella stessa direzione ma spinge ancora di più sull'immaginario gotico e dark fantasy, ampliando la componente atmosferica grazie ad archi, violini e passaggi cantati in clean vocals dal sapore quasi romantico.

Il contrasto con i blast beat e con un black metal più rumoroso e aggressivo funziona benissimo, ed è proprio in questo equilibrio che il disco trova la sua forza. In alcuni passaggi il suono è talmente evocativo da far pensare ai draghi volanti della copertina — atmosfere fantasy rese con un'intensità che nel disco precedente non si trovava ancora del tutto. Restano alcuni synth e tastiere dal timbro un po' troppo artificiale, un limite già presente nel primo disco, ma qui l'effetto è decisamente ridotto.

Tra i brani più imponenti spicca la lunga suite The Taste of Immortal Blood, insieme a Saccharine Subjugation. Se cerchi un disco black metal che non abbia nulla a che fare né con le derive -gaze né con il classico norvegese, questa band resta una scelta sicura, e questo disco conferma ancora una volta la loro bravura.

Se sei arrivato fin qui è perché probabilmente stavi cercando qualcosa che unisse epica fantasy e black metal senza scadere nel già sentito: The Nocturnes of Iswylm è esattamente quel disco, e vale la scoperta.

I Liturgy fanno parte di quella categoria di band metal che i "difensori del genere" tendono a guardare con sospetto. Il motivo è semplice: non restano dentro i confini del black metal tradizionale, si spingono altrove. Aesthethica, uscito nel 2011 per la Thrill Jockey e prodotto da Colin Marston (Krallice), è il secondo album della band newyorkese, e propone un'estetica del genere fortemente non convenzionale — al punto da dividere critica e ascoltatori fin dal giorno dell'uscita.

Il loro black metal è "radiante", luminoso; loro stessi lo definiscono "trascendentale", quasi avvolto da un'aria religiosa, liturgica, che richiama il nome della band. Il disco alterna momenti più propriamente metal — scream disperati, blast beat, però meno "pieni", quasi scarichi, come in High Gold — a passaggi che si allontanano completamente da quel mondo: Helix Skull è elettronica pura, spogliata da qualsiasi riferimento metal; Generation è un incrocio tra noise e math rock che si regge su un giro di note ripetuto ossessivamente per sette minuti.

È innegabile l'influenza che questo disco ha avuto su una certa scena metal successiva — pensiamo agli Agriculture, che con la loro idea di "ecstatic black metal" raccolgono in pieno quella lezione.

Se ami il black metal classico, questo disco non fa per te, ed è inutile girarci intorno. Ma se cerchi qualcosa che spazi, che abbracci altre influenze senza vergognarsene, Aesthethica ti sorprenderà. Se sei arrivato fin qui su The Crate è perché probabilmente stavi cercando proprio questo, un disco che non sta dentro un genere, ma lo espande.

Il secondo disco dei Fossilization, duo brasiliano nato nel 2020 dalle ceneri di Jupiterian, arriva dopo il debutto Leprous Daylight del 2023 con un lineup rinnovato e, per la prima volta, il mix affidato a Gabriele Gramaglia (Cosmic Putrefaction).

La proposta resta quella di un death metal/death-doom brutale, abbastanza canonico nelle sue coordinate — pesantezza, atmosfere claustrofobiche, poco spazio per virtuosismi fuori contesto. Il disco scorre bene, senza cali evidenti, ma anche senza grossi picchi che lo facciano staccare dal resto. La bravura tecnica è innegabile: si sente in ogni riff, in ogni cambio di tempo gestito con cura. Ma è proprio qui il limite — è un disco competente, suonato bene, prodotto bene, che però non aggiunge granché a quello che si sente già in giro nel death metal attuale.

Il nuovo capitolo dei Fossilization conferma la band come un nome solido nella scena, senza però il guizzo che serve per renderlo davvero memorabile.

Un disco che ha dentro hit del calibro di Chop Suey!, Toxicity, Forest non può che essere un discone. Punto. È il 2001 e i SOAD escono con questo loro secondo disco che arriva come un uragano. Non che il primo fosse brutto, anzi, ma qui la band segna un punto in più e, senza saperlo all'epoca, scrive un capitolo fondamentale di quello che sarebbe stato il Nu Metal dei primi anni 2000. A differenza di altre scene metal della stessa epoca — pensiamo al death o al black, rimasti sostanzialmente confinati dentro la loro nicchia di fan — il Nu Metal è riuscito a uscire da quei confini, e i SOAD ne sono l'esempio più clamoroso: gente che di metal non ascoltava una nota si è ritrovata comunque quelle canzoni in testa.

Il motivo va cercato proprio nella tipologia di brani citati sopra. Brani che combinano la forza e l'aggressività delle chitarre metal a melodie non scontate, ritornelli quasi "pop" che si fanno cantare, che entrano in testa. I SOAD sono stati maestri in questo, complice anche la voce unica e riconoscibile di Serj Tankian, che funziona benissimo sia sui vocalizzi puliti che nelle urla, o quando si concede a momenti quasi rap. Toxicity infatti mescola reference diversissime, dall'hip-hop — come in Chop Suey! o nel pre-ritornello e ritornello della title track — a strutture dinamiche e cambi di ritmo quasi di ispirazione progressive metal. Sotto la superficie orecchiabile, poi, il disco non scherza nemmeno sui contenuti: tra le righe si parla di carcerazione di massa, CIA, ambiente — ma è il suono, qui, a restare il vero protagonista.

Se sei nato negli anni '90 le probabilità che alcune canzoni di questo disco ti siano passate vicino, anche se non ascolti metal, sono altissime. Ma vale la pena riscoprirlo per intero, perché oltre alle hit ci trovi brani che tengono il livello altissimo, come Deer Dance, Prison Song o X. E se Toxicity ti è rimasto addosso senza che tu sapessi bene perché, forse è proprio il momento giusto per andare a scoprire cosa ti eri perso.

Quello degli Obituary, e specialmente di questo secondo loro disco ufficiale, non è il death metal "classico". Rispetto agli standard del genere che puntano su cambi di ritmo continui, blast beat furiosi e un growl profondo e duro, qui si va in una direzione molto diversa. Praticamente nessun blast beat, una batteria che suona più in stile thrash che death — più "pulita", con colpi più scanditi — e una presenza molto solida e ripetuta di assoli di chitarra.

L'influenza più evidente è quella dei Celtic Frost, ma si sente anche qualcosa di certi Slayer. Non è un caso: il disco contiene addirittura una cover dei Celtic Frost, Circle of the Tyrants, a certificare quanto quella lezione sia stata assorbita fino in fondo, non solo suggerita.

Quello che invece resta unico, e appartiene solo a loro, è la voce di John Tardy: sembra una voce posseduta, che quasi vomita e sbraita parole, su un immaginario ovviamente denso di violenza e sangue. Non è un classico growl, ed è il motivo per cui il disco è stato spesso definito "gore-infested" — dentro ci si sentono già spunti di goregrind, prima ancora che il termine avesse un vero significato.

Diciamolo senza problemi: non è un disco imperdibile del death metal. Ma è sicuramente un'altra sua faccia, e vale la pena conoscerla.

Di copertine rosa shocking nel metal non se ne vedono tutti i giorni. La più famosa è probabilmente quella di Sunbather dei Deafheaven, ma qualche anno prima ci hanno già provato loro, i Boris, direttamente dal Paese del Sol Levante. Non è un paragone che si ferma alla coperta: quando nel 2016 Pink è stato ristampato, la critica (Consequence, tra gli altri) ha fatto lo stesso identico accostamento a Sunbather, notando come entrambi i dischi riescano ad aprire il metal a un pubblico che di metal di solito non ne ascolta.

Ma chi sono i Boris e perché finiscono dentro The Crate? Sono una band nata a Tokyo nel 1992, e la loro caratteristica principale è fare un metal estremamente contaminato da direzioni diverse. Pink è il loro nono disco, e forse quello che più è riuscito a uscire dal Giappone e farsi notare in giro per il mondo. Rappresenta benissimo il loro eclettismo musicale.

Il disco si apre con Farewell, un brano che si muove tra shoegaze e drone: atmosfera post-apocalittica, lenta, di ispirazione anche stoner, con la voce che si fonde nelle distorsioni del basso e della chitarra prima di aprirsi in un melodismo quasi epico. Per poi passare alla title track, che invece si apre subito in maniera più aggressiva ed energica, di matrice noise rock. È anche una delle tracce più belle del disco, per il lavoro magistrale alla batteria e la parte vocale melodica.

Ma il disco non si ferma qui. Woman on the Screen arriva con tutta la sua energia di deriva punk, sia musicalmente che vocalmente. Blackout riporta tutto su un registro più lento, super atmosferico e degno del miglior sludge metal, dove le poche parole pronunciate suonano oscure ed esoteriche come non mai — e qui il giapponese fa qualcosa che forse l'inglese non riesce a fare. A chiudere il disco, quasi specularmente rispetto a Farewell, c'è Just Abandoned My-Self: dieci minuti (diciotto nell'edizione estesa) di puro drone, il momento in cui i Boris si avvicinano di più a un suono alla Sunn O))).

Insomma, Pink è un ottimo esempio di cosa succede quando una band riesce a mettere insieme sonorità a volte diverse, a volte affini, ma in modo tale che tutto funzioni bene e non suoni forzato. Un disco che sicuramente non ti annoia e non scorre mai uguale a se stesso.

Come ogni genere, anche il death metal ha le sue pietre miliari e tra queste è impossibile non annoverare Obscura. Quando ascolti per la prima volta il disco, la prima cosa che ti colpisce è la "caoticità" del suono: a differenza del classico death, qui trovi strutture dai ritmi complessi, tempi non convenzionali, un suono straniante e dissonante con riff di chitarra "stirati" e acutissimi, al punto che alcuni hanno coniato il termine "dissonant death metal" apposta per questo disco. Ma è una caoticità solo apparente, che trova invece un senso e una sua logica quando il disco lo ascolti ripetutamente.

Stiamo parlando del terzo disco dei Gorguts, canadesi di Sherbrooke, fondati nel 1989. Obscura esce nel giugno del 1998, a poco meno di 10 anni di carriera, ed è un vero capolavoro del genere.

I brani che meglio incarnano la complessità tecnica di Obscura sono sicuramente Earthly Love — che dopo un'intro che suona come se gli strumenti fossero stati attaccati alla corrente per sbaglio, ti travolge con una furia sonora devastante — o la mutevole The Art of Somber Ecstasy. Il disco mantiene in generale un'intensità molto alta lungo tutta la sua durata. A spezzare il ritmo solo Clouded, che cade esattamente a metà e lavora più su un'atmosfera quasi sludge: quasi 10 minuti di una traccia che rallenta, ma con le chitarre pesanti come macigni e un suono che sembra volerti ipnotizzare e drogarti.

La chiusura è lasciata a Sweet Silence, altro brano di punta, con un'intro dove la batteria fa un lavoro magistrale nel creare quell'atmosfera angosciante e spaventosa che aleggia in generale lungo tutto il progetto. E quelle porte finali che sbattono sono proprio il culmine di un disco che è teatralmente oscuro.

Se per te il death metal sono solo i Deicide o i Morbid Angel, Obscura ti spalanca un'altra porta: quella di un genere che rinuncia alla furia diretta per un'oscurità più subdola, che si insinua e che non ti lascia più andare.

Se vivi in un posto circondato dalla natura, trova lo spazio più isolato e selvaggio che puoi, portati delle ottime cuffie e dedica un'ora del tuo tempo a questo disco. Se vivi in città, trova il parco più tranquillo, lontano dal caos e dalle distrazioni, sdraiati sull'erba e viaggia.

Panopticon, progetto nato a Louisville, Kentucky nel 2007 e oggi radicato a Ely, nel Minnesota, dove Austin Lunn si è trasferito anni fa, torna a dimostrare quanto il black metal possa farti venire letteralmente la pelle d'oca. Det hjemsøkte hjertet chiude la Trilogia Laurenziana, iniziata con ...And Again into the Light e proseguita con The Rime of Memory: tre dischi che, da angolazioni diverse, scavano nel rapporto tra il tempo, la memoria e ciò che lasciamo andare.

Qui Lunn lo fa attraverso una riflessione che tocca qualcosa di universale: come siamo la somma di tutto quello che abbiamo vissuto, dei luoghi che abbiamo attraversato, di quello che abbiamo perso. Non è un concept esibito o didascalico, lo senti scorrere sotto la musica, nei titoli dei brani, in quell'alternanza tra Scandinavia e Minnesota che è anche il cuore dell'immaginario della band.[1].

Riprende il linguaggio del black metal atmosferico che si rivolge all'esaltazione della natura nordica, ma lo espande verso territori orchestrali nuovi: ai blast beat si alternano passaggi sognanti in stile post-rock, momenti sinfonici resi possibili anche dal lavoro al violino di Charlie Anderson, storico collaboratore di Lunn. È quell'equilibrio a rendere il disco così potente, mai un'esibizione di tecnica fine a se stessa.

Il disco si rivela con gli ascolti, e mostra momenti di un'intensità incredibile: dal punto in cui i blast beat entrano in Woodland Caribou spezzando la melodia iniziale di archi, fino alla lunga suite Blood and Fur Upon the Melting Snow. Un brano che non smette di stupirti, minuto dopo minuto, con un passaggio in cui lo scream si placa e lascia spazio a una voce che ti culla, per poi chiudersi in un'atmosfera struggente. Uno dei brani black metal più forti degli ultimi anni.

Questo disco richiede pazienza, ma se accetti di dedicargliela e di entrarci dentro veramente, ne comprendi tutta la potenza.

Fonti
1. Bandcamp - note ufficiali del disco

Gli Immolation nascono a Yonkers nel 1986 — tecnicamente come Rigor Mortis, nome che cambiano nel 1988 quando entra Ross Dolan al basso e alla voce — e sono da sempre considerati uno dei pilastri della scena newyorkese. Dawn of Possession esce nel 1991, è il loro debutto, e ad oggi resta uno dei dischi fondamentali del genere.

Gli elementi sono quelli tipici del death metal: cambi di velocità, riff sincopati, blast beat e una violenza ritmica che non ti dà quasi mai tregua. Ma quello che distingue questo disco rispetto ad altri è una stratificazione sonora e uno strano senso melodico che emergono solo con gli ascolti. La title track è uno dei punti massimi: apre con una melodia abbozzata, mentre la batteria impazza furiosa nel blast beat, ma ogni tanto emergono colpi che richiamano quella melodia, la riecheggiano, la tengono viva sotto la superficie. Gli assoli contribuiscono a questa sensazione: brevissimi, quasi lanciati, ma efficaci. In Dawn of Possession entra sul finale, fulmineo, poi le batterie riattaccano senza pietà. O prendete l'intro di Those Left Behind, atmosferico, lento e cupo, con quell'incedere quasi alla Slayer, poi il growl di Dolan parte e tutto precipita.

E il growl di Dolan è un capitolo a sé. Gutturale, profondo, chiuso su se stesso al primo ascolto. Poi, con il tempo, inizia a rivelarsi. Riesci a percepire quello che dice, anche senza essere madrelingua. Il risultato è quasi assurdo per il genere: ti ritrovi a canticchiare certi motivi, come il "ritornello" di Into Everlasting Fire, e ci metti un po' a renderti conto di quello che sta succedendo.

Le tematiche restano quelle classiche quindi anticristianesimo e satanismo, ma qui la sensazione è di qualcosa che funziona a prescindere dai testi, quasi per forza gravitazionale. Nota a margine la copertina, che per colori e lo stile grafico, è una delle più belle e clamorose del death metal.

Se il metal estremo lo conosci già ma non hai ascoltato questo disco, hai un peccato da espiare. Se invece sei curioso e non sai da dove partire, Dawn of Possession è uno dei punti di ingresso migliori che il genere abbia da offrire.

Torinesi, attivi dal 2020, al secondo disco: Ponte del Diavolo sono probabilmente una delle band metal italiane più interessanti in circolazione, e De Venom Natura è il disco che lo dimostra senza margini di dubbio.

Il concept è dichiarato già dal titolo: la natura non come rifugio o locus amoenus, ma come depositaria di veleni, portatrice di morte — e al tempo stesso agente di trasformazione. È un'idea che non rimane sul piano concettuale ma si incarna nel suono, forse più chiaramente in Il veleno della Natura, il brano più evocativo del disco: io mi voglio avvelenare / col più soffice dei baci … / voglio infine contagiarti con l'assenzio delle stelle. Testo e musica che si sostengono a vicenda, con quella tensione che il disco costruisce e mantiene per tutta la sua durata.

Alcuni hanno coniato il termine "blackened post-punk" per descriverli, e non è sbagliato: c'è l'energia incalzante del black metal, ma c'è anche qualcosa di più istintivo e irrequieto che viene da un'altra parte. La voce di Elena Camusso — in arte Erba del Diavolo — è sempre pulita e melodica, dall’anima doom, alterna italiano e inglese, ma sa colorarsi di sfumature diaboliche che danno contesto a tutto il resto. L'italiano funziona benissimo, e non è scontato nel metal.

A reggere il tutto c'è una produzione di livello: suono vivido, spazioso, dove si coglie ogni sfumatura — la batteria che nell'apertura di Spirit, Blood, Poison, Ferment! rievoca più il post-punk che il black, il modo in cui Il veleno della Natura cresce e si distende, il riff finale e il blast beat di In The Flat Field. Tre momenti alti in un disco che non abbassa praticamente mai il livello.

Se hai ascoltato solo metal d'oltre confine, questa è una band da recuperare. Se pensi che l'Italia nella musica sia solo rap, cantautorato e pop, beh hai qualcosa da scoprire.

Mettiamolo subito nero su bianco: questo non è il classico disco death metal. Non ci sono assoli diabolici, non c'è un growl profondo. La caratteristica immediata di Vexovoid, quarto disco della band australiana Portal, è una produzione dove gli strumenti perdono contorni definiti — sembra di trovarsi all'interno di un tornado, o dentro una fabbrica dove le macchine non si fermano mai. Un muro di suono più vicino a un black metal primordiale che scherma tutto, appiattisce tutto. Ma c'è qualcosa di più preciso sotto: quelle strutture sonore che si ripetono, si sovrappongono, si deformano trascinano l'ascolto in una dimensione quasi geometrica — un incubo fatto di forme che ritornano sempre uguali ma non sono mai le stesse.

L'apertura di Curtain lo rende esplicito: batterie lente che scandiscono il tempo, quel muro in sottofondo che si ripete, poi parte il blast beat e inizia la spirale verso il basso. I riff emergono ogni tanto, come in Orbmorphia, dove per un momento il death riemerge in superficie prima di essere risucchiato di nuovo — uno dei momenti più soddisfacenti del disco, proprio perché inaspettato. La voce, sibillante, sembra fare il verso a quegli insetti vermiformi della copertina.

Trentaquattro minuti. È la durata giusta per un disco così: abbastanza da costruire un'atmosfera claustrofobica, non abbastanza da esserne schiacciati. Arriverai alla fine senza sentirti appesantito, e questa non è una cosa scontata per musica estrema di questo tipo. Dischi come questo rischiano di diventare autoreferenziali se si prolungano — qui invece la compressione è una scelta, e funziona.

Se non hai mai ascoltato un disco death metal non partire da questo; se invece vuoi espandere la conoscenza del genere, allora ci sei.

Se stavi cercando un disco gotico, oscuro, capace di trascinarti dentro con melodie che pesano quanto il metal che le sorregge, probabilmente sei nel posto giusto.

I Draconian sono una band svedese che dal 1994 ha costruito la propria identità dentro il death-doom gotico, affinando un suono che alterna atmosfere dilatate e quasi funeral a momenti di forza più diretta. In Somnolent Ruin, loro ottavo album in studio, segna il primo disco con Lisa Johansson da quando aveva lasciato la band nel 2011 — e il suo ritorno ridefinisce subito le coordinate sonore del progetto.

Il cuore del disco sta nella contrapposizione tra le due voci: quella pulita e melodica di Lisa, e quella di Anders Jacobsson — bassa, grave, ma non chiusa nel growl tradizionale del death. Non spaventa come farebbe un cantante di quel genere: opprime in modo diverso, più viscerale e quasi parlato. L'alternanza funziona perché i due registri non si limitano a coesistere: si rispondono, si completano, e la musica si modella attorno a loro con intelligenza.

Il disco non inventa niente di nuovo — e non ha nessun bisogno di farlo. I Draconian questo genere lo conoscono dall'interno, e si sente. Ci sono momenti molto riusciti, come The Monochrome Blade: sette minuti di crescendo continuo, che guadagnano intensità pezzo per pezzo fino a un finale vocale di Lisa capace di fermarti. E poi c'è la chiusura di Lethe, che è una di quelle conclusioni che senti giusta: le batterie scandiscono tempi lenti, il suono si fa epico senza perdere peso, e la sensazione è quella di qualcosa che si chiude con la forza che merita.

58 minuti che non si buttano via.

Un anno dopo questo disco, gli Slayer usciranno con Reign in Blood e cambieranno per sempre la storia del metal estremo. Ma il germe era già tutto qui. Hell Awaits è il secondo album della band californiana, pubblicato nell'aprile del 1985, e si apre con una delle intro più inquietanti del genere: una voce demoniaca che ripete ossessivamente "Join us" — al contrario, come se arrivasse da un altro piano di esistenza. È già un manifesto. L'immaginario è quello infernale in senso pieno: il fuoco, Satana, le tenebre come dimensione fisica, non come estetica da copertina.

Musicalmente, rispetto a quello che verrà dopo, questo è il disco più progressivo degli Slayer. I brani sono lunghi, camaleontico nel senso buono — cambiano direzione, costruiscono tensione, la scaricano quando meno te lo aspetti. I riff entrano di sopresa, le batterie corrono senza sosta, ma non è brutalità fine a se stessa: c'è architettura, c'è una logica compositiva che regge ogni traccia. At Dawn They Sleep è forse il momento più alto: quel finale con i "Kill! Kill!" martellati su un ritmo che accelera fino a sembrare fuori controllo suona ancora oggi come pugnalate.

È un disco che vale su due livelli distinti e ugualmente solidi: come tappa obbligata per capire dove il metal stava andando nel 1985, e come ascolto puro che non ha perso un grammo di potenza in quarant'anni. Spesso queste due cose non coincidono. Qui coincidono.

Il black metal vive di freddo, buio, foreste. Quante volte ti ha fatto sentire la polvere sotto i piedi? Diespnea è un duo italiano attivo da qualche anno, e Radici è il loro secondo disco. Il titolo non è casuale: queste radici non affondano nelle foreste del Nord Europa, non evocano il freddo scandinavo che ha definito il genere per decenni. Affondano in una terra calda, polverosa, sotto un sole che acceca. È un black metal meridiano, nel senso più fisico del termine — e già solo questa scelta di campo è una dichiarazione d'identità precisa.

Il suono non si ferma ai blast beat e ai muri di chitarra: ci sono passaggi atmosferici, incursioni elettroniche, voci quasi sciamaniche, momenti ritualistici che rimandano direttamente all'estetica della copertina. La traccia d'apertura, Maskharah — termine arabo per "maschera" o "buffone" — costruisce subito il territorio concettuale del disco: il tema del volto nascosto, della doppiezza, dell'identità che si sdoppia. Un rimando alla grande tradizione italiana del pensiero sulla maschera, evocato senza didascalie. WhaleFall porta invece il disco in direzione quasi acquatica, un contrappunto inaspettato rispetto alla siccità dominante che tiene il tutto in equilibrio. E poi c'è Vultures, con il suo finale tra i momenti più elettronici e sperimentali dell'intero album.

Vale la pena sapere che il disco è interamente autoprodotto — registrazione, mix e mastering curati dalla band stessa, con una fusione intenzionale di analogico e digitale. Si sente: c'è una tensione grezza che nessun ingegnere del suono esterno avrebbe lasciato lì, e fa parte del disco quanto le composizioni.

In un'ora di ascolto non c'è un momento in cui Radici perde peso. È compatto, coerente, mai dispersivo. Che l'underground italiano sappia fare black metal d'avanguardia a questo livello non è più una sorpresa, è una certezza.

Apocalisse, nichilismo, fine dell'esistenza — non solo nel senso più ampio, ma anche intima, personale: la distruzione dell'io. Through Silver in Blood è tutto questo, e i Neurosis ci riescono senza che tu debba necessariamente aprire un libretto e seguire i testi parola per parola. Il concept di annullamento totale passa direttamente attraverso il suono: post-metal e sludge metal portati all'estremo, con chitarre e batterie dilatate su tempi lunghissimi, distorsioni che si accumulano lentamente fino a sommergere tutto.

La title track apre il disco e in dodici minuti condensa già tutto quello che troverai nel resto: la voce sepolta sotto strati di distorsione, i suoni ambientali di tuoni e tempeste, un finale che trasmette un'aggressività viscerale senza ricorrere agli espedienti classici del death o del black metal. È un altro modo di essere pesanti — più lento, più ritualístico, più opprimente.

Ma il disco non si limita a distruggere: cerca anche di esorcizzare quella distruzione, di accompagnarti attraverso un processo di purificazione. Rehumanize funziona quasi come un passo biblico, un interludio straniante che prepara il terreno. Locust Star è probabilmente il momento più riconoscibile, quello che ha fatto conoscere i Neurosis a una platea più ampia. E poi c'è Purify, uno dei momenti più alti del disco: dodici minuti che si chiudono in maniera del tutto inattesa, con le chitarre cariche di feedback che lasciano spazio alle cornamuse — un finale che suona ritualístico e stranamente liberatorio. Strength of Fates scorre invece come un lamento su atmosfere a tratti funeral doom.

Through Silver in Blood fa della catarsi la sua forza. Non è un disco da ascolto distratto: bisogna accomodarsi, mettere le cuffie, e prepararsi a vedere il mondo crollare.

Miserere Luminis sono un trio del Québec che canta in francese e si muove nei meandri del black metal atmosferico — roba di nicchia, nel senso più nobile del termine. Sidera è il loro terzo disco, e bastano pochi minuti per capire che non si tratta di gente che fa le cose a metà.

Cinque tracce, tutte molto lunghe, fino a sfiorare i dodici minuti: composizioni che non hanno fretta, che costruiscono per accumulo, alternando passaggi lenti e quasi orchestrali a esplosioni più furiose, quelle del black metal primordiale. I cambi di registro non sono telegrafati in anticipo, e questo tiene l'ascolto in uno stato di attenzione costante. La produzione è volutamente vicina al lo-fi — niente di rifinito all'eccesso, niente di asettico — e in questo contesto è una scelta che funziona: dà al disco una fisicità e un'urgenza che certe produzioni ultra-patinate tendono a cancellare.

È il tipo di album che richiede diversi ascolti prima di aprirsi davvero. Non perché sia ostico o respingente, ma perché ha strati — e ogni passaggio rivela qualcosa che prima era rimasto sullo sfondo. L'unica riserva riguarda lo scream del frontman, che non è tra i più riusciti del genere e a tratti toglie qualcosa all'impatto complessivo. Ma è un appunto marginale su un disco che per il resto merita tutti gli ascolti che gli si vogliono dedicare.

Trentacinque anni di carriera e dodici album alle spalle: gli Immolation sono una delle colonne portanti del death metal, punto. Descent è un disco che ti squarcia letteralmente in due — e lo fa con la consapevolezza di chi sa esattamente dove mettere le mani.

La band alterna ritmi veloci e violenti, quasi da brutal death, a inserzioni tecniche con riff spiralici e batterie martellanti, fino a momenti più lenti e sognanti come Banished, dove affiora un'ispirazione black che spezza il flusso in modo inaspettato. È proprio questo continuo cambio di tempi a tenere alta l'attenzione: non c'è un momento in cui il disco si adagia. Bend Towards the Dark ne è l'esempio migliore — la sezione centrale costruisce tensione con variazioni ritmiche serrate, poi il brano si spegne quasi del tutto prima di riattaccare con un blast beat che arriva come un pugno. The Ephemeral Curse apre invece con un attacco di ferocia immediata, con sonorità che per un momento ricordano certi Mayhem — non a caso una band con cui gli Immolation sono attualmente in tour.

A tenere insieme tutto c'è Ross Dolan: un growl da manuale, potente e magnetico, che non sovrasta ma si incunea perfettamente nel muro sonoro. E quel muro è costruito con una produzione rifinita, pulita, godibilissima anche per chi al death metal ci si avvicina senza essere un habitué del genere.

Fare un disco death metal che sappia sorprendere ad ogni ascolto non è scontato. Descent ci riesce, e al momento è il candidato più solido all'AOTY metal del 2026.

Agli inizi degli anni '90 il death metal americano era esploso, con band che facevano dell'aggressività pura e di un'estetica satanica il loro marchio di fabbrica. In questo contesto, i Death prendono una direzione diversa: la tecnica come ossessione, la complessità come estetica. Human, quarto disco della band, uscito nell'ottobre del 1991, è il punto di arrivo di questa svolta — e nasce da una storia personale: dopo che due membri storici avevano abbandonato Chuck Schuldiner per partire in tour senza di lui, lui aveva risposto assemblando una lineup di musicisti eccezionali e registrando quello che avrebbe definito "a statement. It's revenge." Al suo fianco, Paul Masvidal e Sean Reinert dei Cynic e il bassista Steve Di Giorgio: una formazione che non si sarebbe più ripetuta, e che si sente.

Il disco è aggressivo, sì — la batteria di Reinert colpisce come sassate fin dalle prime note di Flattening of Emotions, con i BPM sparati e una produzione più nitida rispetto ai lavori precedenti, dove ogni strumento trova il suo spazio. Ma quello che distingue Human è ciò che ci mette dentro oltre alla ferocia: variazioni ritmiche continue, riff melodici di una tecnica spietata, aperture quasi jazz nelle sezioni soliste di Masvidal. E poi c'è la voce di Schuldiner, difficile da classificare: non è lo scream del black metal, non è il growl basso dei Deicide, ma qualcosa nel mezzo — uno shout rauco e controllato che trasmette tensione più che violenza, come se stesse urlando qualcosa di urgente piuttosto che di brutale.

Il momento più sorprendente del disco è Cosmic Sea, traccia strumentale che arriva a spezzare il ritmo delle chitarre distorte con synth spaziali, cambi di tempo disorientanti e un'atmosfera sospesa che sembra uscire da un altro disco. È lì che si capisce dove stavano andando i Death — e dove sarebbero arrivati con Symbolic e The Sound of Perseverance.

Anche i testi segnano una rottura netta con i primi album: niente più gore, ma temi esistenziali, riflessioni sul potere e sulla condizione umana. Human è una pietra miliare, un ascolto imprescindibile per chi vuole capire come il metal estremo possa essere, allo stesso tempo, brutale e cerebrale.

Assurdo pensare che questo disco, registrato nel settembre del 1992, sia uscito nell'aprile del 1994 — quando Varg era già in carcere in attesa di processo per l'omicidio di Euronymous dei Mayhem. Una coincidenza che ha finito per colorare la percezione del disco stesso, rendendolo ancora più oscuro di quello che è.

Hvis lyset tar oss ha tutto quello che ti aspetti da un classico black metal della prima ora: distorsione continua, suono che sembra uscire da un apparecchio rotto, batterie incalzanti, produzione murata. Ma quello che lo fa risaltare davvero rispetto ad altri dischi dell'epoca è la voce di Varg — uno scream acutissimo, quasi un gemito, un lamento continuo che trasmette disperazione e angoscia in modo fisico. Non è una performance, è qualcosa che sembra sfuggire di mano.

Il disco conta quattro tracce. Le prime tre sono black metal puro, con i synth che non fanno da contorno ma entrano direttamente nel tessuto del suono, fondendosi con le chitarre in modo che atmosfera e aggressività diventino la stessa cosa. Poi arriva Tomhet, e cambia tutto: dopo trenta e passa minuti di distorsione, una tastiera sola ti porta altrove, in un paesaggio ipnotico e desolato che non ti aspettavi. È il momento più sorprendente del disco, e forse il più riuscito.

Non è un ascolto facile né "piacevole" nel senso convenzionale — per quello c'è Filosofem, che stupisce di più al primo impatto. Hvis lyset tar oss è più canonico, più diretto, ma non meno necessario. Per chi vuole capire fino a dove può spingersi la musica estrema, vale uno o più ascolti.

Possiamo dire che abbiamo uno dei grandi dischi metal del 2026 — e non arriva da una band alle prime armi, ma da dei colossi dello sludge metal, uno dei sottogeneri del metal estremo più affascinanti. Il suono è quello che si ottiene mescolando doom metal con lo spirito di ribellione musicale e vocale del punk hardcore: riff pesanti come macigni, dinamiche che oscillano tra esplosioni brutali e momenti di quiete carica di tensione.

I Neurosis hanno già saputo regalare capolavori del genere — Through Silver in Blood del 1996 su tutti — ma qui fanno qualcosa di altrettanto interessante, anche grazie a una novità importante: Aaron Turner, fondatore degli ISIS e una delle figure più influenti del post-metal, entra nella band come chitarrista e vocalist. È una scelta che ha qualcosa di circolare, perché gli ISIS erano stati tra i gruppi più chiaramente debitori ai Neurosis stessi. Il risultato è un'iniezione di energia che si sente.

An Undying Love for a Burning World descrive, come da titolo, un mondo alla rovina — l'uomo accecato da se stesso, dalla sua incapacità di porsi limiti, che ha preso possesso della terra e l'ha portata all'autodistruzione. Una realtà distopica che tanto lontana dalla realtà non è, resa perfettamente dalle sonorità: non solo riff di chitarra spessi e pesanti, ma anche un uso importante di synth e suoni elettronici che creano atmosfere post-apocalittiche dal valore cinematografico.

Diverse tracce meritano menzione, ma tra queste sicuramente Blind, una progressione continua che passa con soluzione di continuità da puro metal a sezioni di synth con una struttura quasi scenica. Seething and Scattered ha una sezione centrale ansiogena e tesa che ti tiene sulle spine. Last Light chiude il disco con distorsioni che sembrano sirene prima di un'apocalisse — diciasette minuti che non perdono un grammo di tensione.

Un ottimo disco, che merita una chance anche da chi il metal non lo mastica.

Nel metal esistono capolavori che hanno segnato epoche. Ma di Reign in Blood ce n'è solo uno.

1986: gli Slayer non inventano il death metal, ma di fatto lo partoriscono senza volerlo. Reign in Blood dura ventinove minuti, non un secondo di più, e in quei ventinove minuti il thrash metal smette di essere quello che era. I ritmi accelerano fino quasi a diventare rumore, gli assoli bruciano, le batterie di Dave Lombardo martellano come se il tempo stesse per finire. Il risultato è un disco che le band death metal successive studieranno come un testo sacro — paradossale, per una band che quel genere non voleva fondare.

La forza del disco sta spesso nelle sue introduzioni e nei cambi di ritmo: Criminally Insane scala da secchi colpi di batteria a un'escalation thrash/death che travolge, mentre Raining Blood — probabilmente il brano metal più riconoscibile di sempre — costruisce la sua leggenda su pochi secondi di temporale, suoni striduli e poi quel riff, inevitabile come una sentenza.

Il disco non è rimasto esente da polemiche: Angel of Death, traccia di apertura, si apre con un grido acutissimo di Tom Araya e versi che evocano Auschwitz — Auschwitz, the meaning of pain / The way that I want you to die. Le accuse di nazismo furono rispedite al mittente dalla band, che rivendicò la scelta come esplorazione tematica — una distinzione sottile, che ancora oggi divide.

Critiche a parte: questo disco non si ascolta soltanto, si subisce.

Epicus Doomicus Metallicus è il disco d'esordio della band metal svedese Candlemass. Uscito in un momento in cui a dominare la scena metal era il suono thrash e death — lo stesso anno videro la luce Reign in Blood degli Slayer e Under the Sign of the Black Mark dei Bathory, per citare due colossi — i Candlemass vanno controcorrente e puntano su sonorità doom, firmando uno dei dischi capisaldi del genere.

Il disco ha un suono epico che si regge in larga parte sulla voce del frontman Johan Längqvist: pulita, quasi operistica, in grado di trascinare atmosfere distese e lente con una teatralità naturale e mai forzata. E’ un disco che evoca nebbia, freddo, non solo climatico ma anche esistenziale, dove la voce sembra provenire da un posto lontano e solitario. Non mancano però momenti più accesi, soprattutto nei riff di chitarra duri e scanditi che spezzano il passo e tengono viva la tensione.

Tra i brani che restano impressi c'è sicuramente l'opener Solitude, che affronta di petto il tema della depressione — un pezzo che, da solo, vale l'ascolto dell'intero disco.

Under the Sign of the Black Mark è il terzo disco della band metal svedese Bathory ed è considerato uno dei primi dischi black metal della storia, fondamentale per l'influenza esercitata nella nascita e nello sviluppo della prima vera scena black metal, ovvero quella norvegese.

Il disco ti porta davvero all'inferno: alla voce, Quorthon sfoggia uno scream demoniaco e più rapido rispetto a quello tipico di altri dischi del genere, contribuendo a imprimere al tutto un ritmo più serrato rispetto agli standard del black metal norvegese. Il suono è ovviamente grezzo e aggressivo, e i testi sono violenti, con numerosi riferimenti alla morte e agli inferi, spesso attinti dalla mitologia norrena — Lend me the eight legged black stallion of Odin and I'll have my vengeance / Oh I'll with desire.

Tra le tracce più dirompenti e forti del disco non si possono non citare Woman of Dark Desires — un omaggio alla contessa Erzsébet Báthory che ha ispirato il nome della band — Call from the Grave e Equimanthorn. Fun fact: la scelta di ispirarsi a questa contessa non è causale: era una nobildonna ungherese del XVI secolo considerata una sadica e una serial killer spietata, spesso rinominata “Contessa Dracula”.

È un disco fondamentale, forse meno citato di altri lavori proto-black e proto-death coevi — su tutti Reign in Blood degli Slayer, uscito lo stesso anno — ma che negli anni è stato ampiamente rivalutato per l'impatto decisivo che ha avuto sulla generazione successiva del metal estremo.

Om è il quarto disco in studio della band romena Negură Bunget. Siamo di fronte a uno dei dischi metal più incredibili degli anni 2000, e lo si capisce fin dalla prima traccia: un'intro che svela immediatamente la teatralità con cui è stato concepito l'intero lavoro.

Om è uno di quei dischi accostabili a opere come The Mantle degli Agalloch o Écailles de Lune degli Alcest — non perché sia semplicemente un disco black metal, ma perché è uno di quei lavori che prende il genere e cerca di espanderlo, portandolo verso territori altri.

I Negură Bunget lo fanno introducendo una componente folk profondamente legata alla loro tradizione: i muri di suono del black lasciano quindi spazio a strumenti come il flauto di pan, il nai — una sua variante romena — o il toacă, uno strumento di origini antichissime utilizzato nella tradizione ortodossa dell'Est europeo.
Questi elementi, insieme a tamburi, batteria e chitarre, contribuiscono a costruire un'atmosfera quasi teatrale e incredibilmente evocativa, in cui il suono più violento del black metal passa in secondo piano, senza essere messo al centro.

Questa alternanza tra forza black metal e folk si ripropone non solo a livello di tracklist, ma all'interno di ogni singolo brano: un pezzo come Dedesuptul, ad esempio, inizia in pieno territorio metal — blast beat e muri di suono — per poi virare in maniera del tutto naturale verso sonorità totalmente diverse, dissolvendo le distorsioni e trasportando l'ascoltatore in un'altra dimensione.

Nonostante la sua complessità, è un disco da provare ad avvicinarcisi con curiosità, ideale per chi voglia esplorare quel filone del black metal che punta sull'atmosfera e sulla stratificazione del suono, senza doversi confrontare con alcuni degli eccessi del genere che possono risultare respingenti.

Altars of Madness è il disco di debutto dei Morbid Angel ed è considerato una delle pietre miliari del death metal. Un album dirompente, spesso citato tra i primi a spingersi verso sonorità davvero estreme: con questo disco i Morbid Angel hanno alzato drasticamente l'asticella dell'aggressività, tanto sul piano lirico quanto su quello strumentale.

Testi blasfemi e provocatori affidati alla voce di David Vincent, un growl non eccessivamente marcato, accompagnato da continue variazioni di ritmo, con la batteria che accelera e decelera in modo forsennato e i riff di chitarra che irrompono con violenza. Tra le tracce da menzionare, Chapel of Ghouls, che ricrea atmosfere demoniache e si chiude con una combo finale batteria+riff devastante.

Insieme ad altri dischi dell'epoca e del genere, è un ascolto imprescindibile per chiunque voglia capire l'evoluzione del metal più estremo.

Per qualcuno potrebbe sembrare rumore dall'inizio alla fine. La verità è che gli Agricolture - band post-black/blackgaze di Los Angeles - hanno saputo trasformare il rumore in estrema bellezza. Concettualmente si inseriscono in quel filone del black metal aperto dai francesi Alcest e reso popolare da quel gioiello dalla copertina rosa shocking che i Deafheaven pubblicarono nel 2013. Ma con questo disco d'esordio, gli Agricolture dimostrano di poter dire la loro in grande stile - e con una forza che lascia senza fiato.

C’è evidentemente una ispirazione al suono dei Liturgy, specialmente di dischi come Aesthetica — e non è un caso che si parli di “ecstatic black metal” dove quello dei Liturgy è definito “trascendental” — ma quello degli Agricolture è un suono più aggressivo, più dirompente e meno patinato.

Il disco si apre con The Glory of the Ocean, e il titolo è già tutto un programma: atmosfera rilassata, distesa, quasi un locus amoenus sonoro in cui ci si adagia senza resistenza. Ma quella pace viene demolita senza preavviso da un muro sonoro estremo, super distorto, con blast beat poderosi che travolgono come uno tsunami - esattamente come quella massa d'acqua che campeggia in copertina. E da lì non emergi più. Il disco è un susseguirsi di momenti estremi, catartici, estatici, che si abbattono uno dopo l'altro senza mai perdere in intensità.

Gran parte del disco è occupata da Look, brano diviso in tre parti, e anche qui gli Agricolture sanno sorprendere: dal giro di violino che piomba nella scena nel mezzo della Pt. 1 - un momento di bellezza quasi irreale - all'incipit devastante della Pt. 3, che riapre tutto con forza brutale. Chiude Relier, forse il brano più vicino al black metal classico dell'intero disco, un finale che riporta alle radici senza nulla togliere a quanto costruito prima.

Se con questo disco volevano presentarsi al mondo, beh - ci sono riusciti benissimo.

Dopo diversi progetti autoprodotti, Desolation's Flower segna il primo disco sotto The Flenser per il duo black metal composto da Maria Stocke e Nicole Kurmina Gilson. In un genere storicamente a dominanza maschile, la presenza di due donne agli strumenti è già di per sé una rottura — e il disco lo conferma fin dai primi minuti. Quello che si avverte ascoltando Desolation's Flower è la sensazione di trovarsi davanti a un progetto che usa sì alcune componenti del black metal — i muri di chitarre fortemente distorte, le batterie incessanti — ma con l'obiettivo dichiarato di portarti altrove.

Le atmosfere sono cupe, i ritmi generalmente lenti, di ispirazione più doom che black, e lo scream trasuda disperazione pura. I riverberi e le distorsioni sono spinti all'estremo, al punto che certi passaggi sembrano provenire da una radio rotta — un effetto straniante e perfettamente coerente con lo spirito del disco. I momenti di grande impatto non mancano: dall'attacco della title track, che esplode dopo un inizio quasi post-rock, al crescendo della batteria nel finale di Woe, ogni picco emotivo è guadagnato.

Non è troppo azzardato il paragone con Sunbather dei Deafheaven — ma se lì dominava la luce, qui è l'ombra a fare da protagonista. Desolation's Flower è un disco magistrale.

Direttamente dall’undeground metal canadese, Sealed into None è il disco di esordio degli Exxul. E’ sicuramente un disco che avrà fatto saltare dalla sedia gli appassionati di un certo epic/doom metal in quanto riporta in vita una sonorità che forse andava di più a fine anni ‘80, primi anni ‘90 - stile Candlemass- e oggi si fatica a sentire.

Loro dimostrano che ancora oggi si può fare un disco (bello) di questo genere, avendo bene in mente i riferimenti cardine. Il disco è composto da sole 5 tracce, che si presentano come lunghe suite, con alternanza tra sonorità doom - più tetre e gelide - a momenti dove gli assoli di chitarra esplodono in vero epic metal.

A World Ablaze è l’ottavo disco della band svedese Nazghor. E’ il lavoro di una band di nicchia, che celebra le proprie origini con un disco dedicato alla città di Uppsala.

Dal punto di vista musicale, ottimo lavoro: tutte i brani sono trainati da una batteria importante per esplodere verso la fine in riff di chitarra magistralmente eseguiti, rubati più al metal melodico che di vera ispirazione black. C’è infatti una trama melodica, creata propria dalle chitarre, che accompagna l’ascoltatore lungo tutto il disco, facendo a volte quasi dimenticare il ritmo martellante della batteria sottostante.

Non è un progetto che sperimenta troppo e non c’è spazio a grosse contaminazioni, ma per come è suonato e prodotto risulta un disco godibile.

La sensazione che si prova ascoltando questo secondo disco ufficiale dei Coscradh, Carving the Causeway to the Otherworld, è quella di essere trascinati in un turbinio di malignità, con brani che nascono subito martellanti, con blast beat ripetuti, per poi esplodere i riff di chitarra “spiralici”. Il death metal da spazio a momenti e sonorità più propriamente black, che possono ricordare i Mayhem o in generale il black metal norvegese.

La band narra di mitologia e spiritualità ispirata al mondo dell’Irlanda antica, e guida l’ascoltare verso il passaggio ad una realtà ultraterrena. Un buon disco blackened death metal che forse però si muove in un territorio già battuto, senza osare troppo nella sperimentazione.

“DREAMCRUSH” è il terzo disco della band blackgaze danese “MOL”. E’ un disco dalle sonorità molto eterogenee: parti melodiche, atmosfere sognanti alternate a momenti più carichi e vigorosi. Si sente moltissimo l’ispirazione “Deafheaven” e in particolare dei loro dischi più prettamente “shoegaze”. Non troviamo solo scream ma anche tante parti vocali pulite e in generale una componente “black” molto ridotta - in alcune tracce quasi assente. In termini di contenuto, non è un disco immediato: i testi sono evocativi, parlano per immagini e metafore, affrontando temi quali la resilienza, il confronto con se stessi e l’idea del sogno come apertura di possibilità ma anche di tensione. Nel complesso è un ottimo disco, più immediato rispetto a molte uscite blackgaze e post-black metal, grazie alla sua componente melodica più evidente. Probabilmente però può essere meno apprezzato da un pubblico più affine al black-metal “puro”. Il disco contiene comunque dei momenti davvero riusciti - come “Hud”, “Sma Forlis” o la super sognante “Favour”. Una cosa è certa: ci sono tutti i presupposti per sentire un grandissimo progetto da questo band danese nei prossimi anni.

The Mantle è uno di quei dischi che quando lo ascolti, ti chiedi: cosa sto sentendo? È uno di quei dischi che trascendono davvero il genere.
Riduttivo definirlo semplicemente black metal: le componenti black ci sono, ma non sono il fulcro assoluto. Allo stesso tempo, non è nemmeno un disco folk in senso tradizionale. È un progetto dal respiro amplissimo, che si prende tutto il tempo necessario per costruire il proprio mondo sonoro e trascinarti dentro il suo concept. E’ un disco profondamente immersivo: ti porta in paesaggi desolati, in scenari naturali immensi, dove la presenza della natura è quasi fisica. C’è una dimensione contemplativa, malinconica, che va oltre la semplice etichetta metal.

Musicalmente, la chitarra acustica è centrale: crea quel ponte fondamentale tra le atmosfere folk e le esplosioni più marcatamente black e post-metal. È proprio questo equilibrio a rendere il disco così potente. Non punta sull’aggressività gratuita, ma sulla costruzione emotiva, sull’atmosfera, sulla profondità. E riesce a tenere tutto insieme grazie ad un uso sapiente di suoni ambientali, creando una esperienza di ascolto totalizzante.

È un album fondamentale perché ha dimostrato che il metal può andare oltre i suoi confini più rigidi. Che può essere evocativo, cinematografico, quasi spirituale. Richiede diversi ascolti per essere assimilato pienamente, ma ne vale assolutamente la pena. Magari per gli amanti del suono più duro e black, non è il disco della vita ma è anche grazie a un lavoro come questo che negli anni successivi è esplosa una scena blackgaze e black atmosferico di altissimo livello, con realtà come Wolves in the Throne Room, Alcest e Deafheaven che hanno raccolto e sviluppato quell’eredità. Un disco che non si limita a stare dentro un genere: lo espande.

Follow the Reaper è il terzo album in studio dei Children of Bodom, band finlandese, uscito nel 2000. È considerato da molti — critica inclusa — il loro disco migliore, per l'equilibrio trovato tra aggressività death metal e melodie di ispirazione power metal. Un equilibrio che all'epoca non era scontato, e che ha contribuito a definire il suono melodeath nei primi anni 2000 insieme al resto della produzione della band.

Il disco non è tra le mie prime scelte in ambito metal, ma sarebbe disonesto non riconoscerne il valore. L'epicità di certe melodie è difficile da ignorare: la title track e Kissing the Shadows sono l'esempio più diretto — riff che ti agganciano quasi subito, con una facilità che non è semplicismo ma costruzione. A rendere tutto più stratificato ci pensano assoli e tastiere impeccabili, che aggiungono una dimensione quasi cinematografica al suono senza mai appesantirlo.

È un disco che ha segnato una fase precisa del metal estremo — uno di quei lavori che si riconoscono come pietre miliari anche quando magari non sono esattamente nelle tue corde.

I padri del Black Metal tornano con il loro settimo disco, “Liturgy of Death”, una sorte di concept album sulla morte. Lo stile è quello a cui la band ha abituato i fan da tempo: tecnica, riff articolati e batteria pesante e martellante. Forse un pò troppo “hi-fi” rispetto allo standard del black metal. Alla voce, Attila regala una buona performance vocale, con scream profondi e potenti. Particolarmente interessante è la chiusura della traccia finale che, con l’incursione di tamburi, ti proietta immediatamente in una specie di rito tribale - in generale lungo tutto il disco ci sono suoni “sciamanici” che evocano una atmosfera rituale. Difficilmente rientrerà nei migliori dischi del 2026, ma rimane comunque un progetto apprezzabile, non solo per il fatto che arriva da una band gigante del genere.

E’ Incredibile pensare che la voce di questa band super brutale del Texas sia una donna, Bridget Lynch, che regala qui una performance vocale pazzesca per il genere. “Eon of Obscenity” è un ottimo disco death metal, con tutti gli elementi richiesti dal genere: aggressivo, brutale, violento in ogni sua parte. Stupire nel death metal non è facile, ma qui la band texana riesce ad inserire alcuni micro elementi - assoli accennati, ritmi sincopati, growl “animaleschi” che richiamano i Deicide dei tempi d’oro - che ti “agganciano” e rendono l’ascolto “piacevole”. Le 11 tracce del progetto sono tutte abbastanza brevi, contribuendo a creare una esperienza di ascolto che si consuma velocemente, senza portare a percepire una eccessiva pesantezza che un genere come questo può generare. In conclusione un ottimo disco per gli amanti del metal estremo.

Stiamo parlando di una band gigantesca, che ha scritto la storia del Trash Metal. Questo è il loro ultimo disco e non si può dire che non escono in grande stile. L’album nel complesso suona bene ma è forse è più un’operazione nostalgia che altro. Un disco per i fan storici che però nel contesto del metal attuale fondamentalmente non aggiunge nulla. Carino il remake di “Ride The Lightning” dei Metallica, che però sottolinea quanto Mustaine rivendica un pò di meriti sul successo della band, di cui ha fatto parto per un periodo.

Deicide è il disco d'esordio dell'omonima band di Tampa, Florida, uscito nel 1990, e uno dei documenti fondamentali del death metal americano — insieme a quello che stava producendo in quegli stessi anni la scena di Tampa con Morbid Angel, Obituary e Cannibal Corpse.

Il suono è brutale, velocissimo, senza respiro. La sezione ritmica di Steve Asheim macina blast beat su blast beat, i fratelli Hoffman costruiscono riff sovrapposti e caotici, e Glen Benton — bassista e vocalist — ci mette sopra una performance vocale che ancora oggi è difficile da eguagliare: growl bassissimi e scream acutissimi in doppia traccia simultanea, come se stessero cantando due versioni dello stesso demone. I testi sono intrisi di satanismo e anticristianesimo viscerale — provocatori, teatrali, al limite del grottesco, anche se lo stesso Benton ha ammesso nel tempo che c'era molta più performance che ideologia dietro.

Dead by Dawn è l'esempio più immediato di cosa sa fare questo disco: il ritornello è una ripetizione ossessiva del titolo, martellato sopra un muro di chitarre, aggressivo fino all'ipnosi. È uno di quei riff che non escono dalla testa.

L'unico possibile limite è che trenta minuti di questa intensità, senza mai allentare, possono far sembrare alcune tracce ridondanti — non perché siano deboli, ma perché il disco non concede mai un attimo di tregua. È un rischio calcolato, e per chi regge il ritmo il risultato è clamoroso.

Disco di una band abbastanza sconosciuta, di origine probabilmente slave o russe. Il disco fonde black metal a musica folk, di evidentemente provenienza “est-europa”. Ha qualcosa di interessante nella produzione ma in più punti il disco sembra riciclare le melodie. Forse l’intenzione era quello di creare una esperienza quasi “ipnotica” ma alla lunga può annoiare o si può avere la sensazione di riascoltare sempre la stessa traccia.

“Elevation” non è un disco indimenticabile ma nemmeno un brutto ascolto. Le sonorità sono quelle del melodic death metal, con spazio però anche ad alcuni momenti più prettamente doom o post-metal. Purtroppo la produzione non convince totalmente. Il suono sembra un po troppo overprodotto per il genere. Nel complesso, un disco che si può ascoltare qualche volta ma difficilmente rimane in loop nelle playlist.

Uno dei tanti album black-metal nella media. A parte un paio di tracce che melodicamente possono attirare, il resto sembra già risentito, senza nessun elemento distintivo.

“Violent Playground” è un disco senza una identità precisa: metalcore, deathcore, qualche pezzo rap, mischiati senza una direzione ben precisa. Un progetto confuso, overprodotto e assolutamente dimenticabile.

Ci sono dischi che senti subito essere fuori categoria. Master of Puppets è uno di quelli: terzo album dei Metallica, 1986, e già dai primi minuti è chiaro che siamo davanti a qualcosa di diverso dal thrash metal che girava in quel momento — più costruito, più ambizioso, più pesante in senso pieno.

La title track è storia: quel ritmo che avanza compatto, si spezza, si ferma, e poi riparte come se niente fosse — è uno dei momenti più riconoscibili del metal anni '80, e funziona ancora oggi esattamente come allora. Ma il disco non si regge solo sul suo brano più famoso. Disposable Heroes è forse il pezzo meno citato del lotto, eppure è uno dei più devastanti: l'attacco di batteria iniziale è immediato e brutale, e il brano cresce con una furia che non si allenta mai. Il ritornello — you will die when I say, you must die, back to the front — è aggressivo come pochi, quasi un ordine militare scandito sopra un muro di chitarre.

A rendere tutto questo possibile c'è anche Cliff Burton, bassista della band e anima musicale di questo disco — l'ultimo che avrebbe registrato con i Metallica. Muore nel settembre del 1986, a 24 anni, in un incidente col bus durante il tour in Svezia. Sapere questo non cambia le note, ma cambia il peso di quello che si ascolta.

Un capolavoro assoluto, difficilmente stancante nonostante la complessità e la durata dei brani. Uno di quei dischi che non finisce mai di darti qualcosa.

The Dreaming Prince in Ecstasy è il quarto disco della band black metal statunitense Lamp of Murmuur (esclusi split e collaborazioni, che nella sua discografia sono parecchi). Non è sicuramente tra le migliori uscite black del 2025, ma resta comunque un lavoro discreto. La band adotta una formula piuttosto standard per il genere, che richiama fortemente lo stile degli Emperor e, in parte, anche quello degli Immortal, soprattutto nei synth e nell'atmosfera epica, quasi alla Dimmu Borgir a volte.

C'è qualche traccia meglio riuscita: Hategate, lunga suite potente e melodica arricchita da alcune variazioni interessanti, ma anche Forest of Hallucinations e la conclusiva A Brute Angel's Sorrow, che reggono meglio il confronto in termini di identità e originalità. A pesare, invece, è proprio la suite in tre parti che dà il titolo al disco: quasi 23 minuti che suonano meno incisivi e meno personali, e che finiscono per trascinare l'intero lavoro verso una media di genere che altrove il disco riesce a evitare.

Confusion Gate è il settimo album in studio dei Yellow Eyes, band black metal newyorkese fondata dai fratelli Will e Sam Skarstad. È un disco che si apprezza e si consolida ascolto dopo ascolto: non è immediato, perché mescola un black metal tradizionale — grezzo, martellante, ipnotico — con sonorità folk che ne allargano considerevolmente l'orizzonte. Non solo batteria e riff, quindi, ma anche brevi intermezzi strumentali — i. Nocturne, ii. Beyond, iii. The Entrance — affidati a strumenti a fiato che ricreano atmosfere quasi medievali, dal sapore fiabesco, da vera colonna sonora fantasy. Il sassofono di Patrick Shiroishi, presente in tre tracce, contribuisce in modo determinante a questo carattere evocativo.

Non è però un disco freddo o distante: ha sì dei tratti spettrali, ma sono le sezioni melodiche a scaldare la produzione, tenendola lontana da un certo black metal più scarno e algido alla Darkthrone. È in questo equilibrio tra asprezza e calore che il disco trova la sua identità. Alcune intro, in particolare quella di The Thought of Death — suite incredibile che rappresenta uno dei momenti più alti del disco — sono di una bellezza disarmante.

Nel complesso è un disco veramente compiuto, con melodie capaci di restare in testa a lungo.

Nono album in studio per i Whitechapel, nome ormai di peso nel deathcore americano - tecnicamente la band resta su un livello altissimo, questo è fuori discussione. Il problema è che Hymns in Dissonance fatica a reggere più di un paio di ascolti: dopo la sorpresa iniziale, il disco si appiattisce e la voglia di tornarci sopra svanisce in fretta.

La title track è il momento che riassume meglio cosa il disco ha da offrire: tecnica al servizio di una melodia violenta e aggressiva, capace di colpire con immediatezza. Il problema è che quella sensazione - il wow iniziale - si esaurisce altrettanto in fretta, e il resto del disco fatica a reggere lo stesso livello.

Se sei un fan del death lo conosci probabilmente già. Se invece il deathcore è un genere che stai ancora esplorando, ci sono progetti più incisivi da cui partire, a partire dal disco dei Lorna Shore uscito nello stesso 2025: lì la voce di Will Ramos surclassa quasi tutto quello che gira nel deathcore attuale, ed è quel tipo di differenza che fa la differenza tra un disco che resta (almeno qualche ascolto in più in un mondo in cui la musica è più volatile del bitcoin) e uno che si dimentica in fretta.

Scapulimancy è l'album di debutto degli HEDONIST, band death metal canadese. Non inventano nulla di nuovo — la formula è già collaudata e ispirata al death metal più old-school — ma la applicano a regola d'arte. Il risultato è un progetto che suona benissimo: violento, aggressivo, martellante, con tematiche che ruotano attorno alla guerra e alla morte, e con qualche momento qua e là che devia dallo standard del genere, tra rallentamenti e contaminazioni quasi punk.

L'album è inoltre abbastanza breve, il che lo rende scorrevole e mai noioso. Un disco adatto a chi nel genere già ci si trova e se te lo eri perso tra le uscite dell’anno, merita un recupero. Sicuramente una band da tenere d'occhio.

Faetooth è un trio tutto al femminile di Los Angeles e con “Labyrinthine” firmano uno dei progetti metal più interessanti dell’anno. E’ un disco che richiede più ascolti per essere assimilato, ma quando lo si comprende arriva tutta la sua forza e bellezza. Non è un semplice disco doom metal. Nelle sue atmosfere distese, malinconiche ed eteree, si possono trovare forti influenze, dal post-metal allo shoegaze. Un tratto distintivo del suono di “Labyrinthine” è la crescente energia: molte tracce partono lente, con la batteria che scandisce tempi prolungati, quasi sospesi, ma con chitarra e basso già ruggenti ; poi quasi tutti i brani - e nel complesso anche l’album di per sé - “crescono” come in un climax estremo. Chitarra e basso diventano più brutali e distorti, la batteria parte alla carica. Il ritmo si fa più incalzante e arriva tutta la potenza del loro suono. Il disco ha anche un concept interessante, quello di perdersi in un labirinto mentale e di esplorare i propri ricordi per comprendersi. Tra tutte le tracce, spicca “Hole”, un brano capolavoro dalla crescente carica emotiva, che sul finale esplode in uno dei moment metal più riusciti degli ultimi anni.

Machine Head è il sesto album in studio dei Deep Purple e uno di quei dischi che hanno segnato l'evoluzione dell'hard rock e gli albori dell'heavy metal — un ascolto categorico.

Breve, appena 38 minuti registrati in poche settimane, ma intenso e mai noioso. Il suono è volutamente grezzo, urgente, come se la band avesse voluto catturare qualcosa di vivo prima che svanisse. Smoke on the Water è qui, con il riff più iconico della storia del rock, ma i brani meno celebri riservano spesso le sorprese migliori — l'ingresso della batteria in Pictures of Home è trionfale, difficile da dimenticare.

Quello che colpisce davvero però non sono i singoli riff, ma la coesione del disco nel suo insieme: chitarra, basso, organo, voce — una voce che sa essere melodica e immediata senza scadere nel pop — tutto si muove compatto, senza sbavature.

Un disco che forse non rimane in loop per sempre, ma che ogni volta che si rimette su suona esattamente come deve.

Master of Reality, uscito nel 1971, è il terzo disco dei Black Sabbath e il momento in cui il loro suono diventa davvero pesante — più pesante di qualsiasi cosa avessero fatto prima. Se Paranoid era un'esplosione di energia e istinto, qui la band rallenta, si fa più cupa e compatta, anticipando le fondamenta di tutto il doom e lo stoner a venire.

Sweet Leaf e Into the Void suonano come rituali fumosi, ipnotici, dove il groove ti trascina verso il basso senza che tu te ne accorga; Children of the Grave invece è un'altra bestia — cadenzata, aggressiva, con Ozzy che canta come un profeta in trance sopra un riff che non ti lascia scampo.

È meno immediato di Paranoid, ma più profondo e atmosferico: un disco che non ti prende solo a pugni, ti avvolge.

Paranoid dei Black Sabbath, uscito nel 1970, è uno dei dischi più influenti della storia del metal. In appena otto brani, la band di Birmingham definisce i codici del genere: riff monolitici, atmosfere cupe e un senso di inquietudine che, all'epoca, era pura avanguardia.

Quello che colpisce ancora oggi è il contrasto interno al disco — brani lenti e pesanti come War Pigs e Iron Man, costruiti su riff che sembrano colare come piombo fuso, contro la title track e Rat Salad, più dirette e accelerate, quasi punk prima del punk. A tenere tutto insieme c'è una produzione volutamente grezza, sporca, che non leviga nulla e lascia ogni colpo di chitarra e ogni urlo di Ozzy esattamente dove cadono.

È quella ruvidezza a renderlo ancora vivo. Paranoid non è solo la nascita dell'heavy metal — è ancora, più di cinquant'anni dopo, uno dei suoi vertici assoluti.

Già nel 2023 gli Agricolture avevano stupito con il loro disco Agricolture, con cui si erano presentati al pubblico. Con questo secondo disco, confermano di essere una band di punta nel black metal moderno. In questo progetto non solo sono riusciti a consolidare il loro suono, riprendendo alcuni motivi melodici del disco precedente, ma sono riusciti a spingersi anche oltre, contaminandosi con altri generi.

Se il primo disco era più “omogeneo” nel suono - chitarre super riverberate e distorte, blast beat poderosi - qui c’è molta eterogeneità, con influenze dal noise-rock e dalla musica industriale. Lo si capisce fin dalle prime note di My Garden, che possono quasi - lontanamente ma non troppo - ricordare certe sonorità degli Slipknot. E’ un disco non lineare, in cui ogni brano sembra esplorare una direzione diversa, pur mantenendo la coerenza emotiva di quello che a loro piace definire “ecstatic black metal”. Lo scream di Leah Levinson rimane impeccabile e contrasta perfettamente con le parti più atmosferiche del disco.

Tra tutte le tracce spiccano notevolmente Flea - con dei giri di chitarra distorta che creano un muro di suono poderoso - la più aggressiva The Weight o Bodhidarma - con un riff esplosivo finale super sognante.

Un disco che conferma che la scena blackgaze moderna riesce a raggiungere dei livelli altissimi.

Exercises in Futility dei Mgła sfiora la perfezione. Cupo, lucido e disperato, è uno di quei dischi che incarnano lo spirito del black metal senza compromessi — non dalla Norvegia, ma da Cracovia, Polonia, dove il duo formato da M. e Darkside ha costruito in silenzio uno dei lavori più rigorosi del genere.

La struttura è già una dichiarazione poetica: sei tracce numerate da I a VI, tutte intitolate Exercises in Futility. Nessun titolo individuale, nessuna concessione alla frammentazione — un'unica opera continua che rifiuta l'idea stessa di singolo o momento isolato. Le liriche seguono la stessa logica: nichilismo filosofico, non decorativo. Non "Satana e inverno" ma una riflessione lucida sull'inutilità di ogni sforzo umano, sulla futilità come condizione esistenziale. È un disco che ha qualcosa da dire, e lo dice senza alzare la voce.

Musicalmente, la produzione non è lo-fi nel senso grezzo del termine — è asciutta e tagliente, ogni elemento al suo posto con precisione chirurgica. I riff si muovono in spirali ossessive, ipnotiche, con un'eco di Burzum — Filosofem in particolare, o il primo disco — in quel modo di costruire atmosfere gelide attraverso la ripetizione piuttosto che attraverso l'aggressività fine a se stessa. La differenza è che Mgła ci aggiunge una tensione ritmica che Burzum non ha mai avuto: Darkside è tra i batteristi più interessanti del black metal contemporaneo, e si sente soprattutto nel finale del disco, dove l'intensità cresce traccia dopo traccia — V e VI in particolare — con pattern ipnotici che intrecciano caos e controllo in modo quasi rituale.

Non è un disco immediato. Richiede più ascolti per rivelare tutta la sua profondità. Ma chi ha pazienza trova del black metal moderno di ottima fattura.

Gli Stormkeep sono ancora una band poco conosciuta, e Tales of Othertime è il loro primo album in studio — arriva dopo l'EP Galdrum, che aveva già fatto intuire il potenziale, e conferma che il potenziale era reale.

Il sound è una fusione tra il black metal norvegese e il power metal: violento e potente da un lato, epico e monumentale dall'altro. Un ibrido che sulla carta potrebbe sembrare forzato e invece funziona, perché gli Stormkeep riescono a tenere i due mondi in equilibrio senza che nessuno dei due prevalga in modo stonato. Il risultato evoca atmosfere medievali e fantasy con una coerenza di visione rara per un debutto — il disco costruisce un mondo sonoro preciso, e ci si entra dentro.

Il momento che riassume meglio questa forza è The Seer: un brano monumentale, che concentra tutto quello che la band sa fare e lo porta al massimo della potenza. È il tipo di traccia che giustifica da sola l'ascolto dell'intero album. L'unica riserva riguarda l'uso di tastiere e synth, che in certi passaggi suonano un po' artificiosi. È un difetto minore, ma in un disco così curato si nota.

Resta comunque un debutto notevole, mixato in modo eccellente. Una band da seguire.

Higanbana è il secondo album di una band norvegese quasi sconosciuta, i Sundrowned. Propongono un post-metal abbastanza nei canoni del genere, con un accenno al black specialmente nel screamo, e muri di suoni che richiamano lo shoegaze.

Pur soffrendo di una certa omogeneità sonora e di strutture talvolta ripetitive, la durata contenuta (40 minuti) rende l'ascolto complessivamente scorrevole. Il titolo rimanda al fiore giapponese che annuncia l'autunno, simbolo di cambiamento e del ciclo della vita, tema che attraversa l'intero disco. Non è nulla di particolarmente originale o innovativo, ma è ben prodotto, suonato con l'espressività e l'estro che serve per il genere e contiene tracce genuinamente piacevoli, come The Seed.

Se stai cercando un buon disco che probabilmente nessuno ti consiglierà, sei capitato bene.

I puristi del black metal non ammetteranno mai che l'album più "sbagliato" per il genere — copertina rosa shocking, band di hipster californiani in camicia a quadri, zero corpse paint — sia in realtà uno dei migliori dischi metal degli ultimi vent'anni, e forse oltre. Il fastidio si è moltiplicato quando la stampa mainstream ha cominciato a incensarlo: Metacritic lo ha dichiarato il disco più recensito positivamente del 2013 in assoluto, in qualsiasi genere, e Rolling Stone lo ha inserito nella lista dei cento migliori album metal di sempre. Un disco di una band di ragazzi che sembrano poter riparare il tuo laptop, celebrato ovunque mentre i gruppi "aderenti" ai canoni estetici e sonori del genere restavano nell'ombra. Lo scandalo, insomma, era doppio.

I Deafheaven non hanno inventato il blackgaze, ma con Sunbather lo portano probabilmente alla sua massima espressione. È un disco catartico: lo capisci fin dalle prime note, quelle distorsioni che arrivano come una bassa marea e poi esplodono subito in blast beat e muri di suono che ti travolgono. È black metal, ma non c'è nulla di oscuro: il suono è luminoso, quasi solare, e lo scream di George Clarke non comunica violenza né minaccia — è fragile, carico di tristezza e rassegnazione, qualcosa di inaspettatamente umano in un contesto dove di solito si simula il demonio.

La title track è il cuore del disco: oltre dieci minuti in cui i momenti si susseguono e si superano a vicenda per intensità emotiva, melodie sognanti che cedono il posto a esplosioni furiose e poi tornano, ogni volta più cariche di senso.

È un disco da pelle d'oca. Non è immediato, soprattutto se non si è abituati a questo suono — ma se ci si apre e si cerca di entrarci dentro, rivela una bellezza rara. Difficile da trovare, e ancora più difficile da dimenticare.

Con Écailles de Lune il blackgaze smette di essere un esperimento e diventa un genere. Alcest — nella pratica il progetto del chitarrista e vocalist Neige — prende il muro di suono, i blast beat e l'aggressività viscerale del black metal e li fonde con le atmosfere sognanti e malinconiche dello shoegaze, con l'ombra lunga del dark ambient di Burzum sullo sfondo. Il risultato non è un compromesso tra i due mondi: è qualcosa di nuovo.

Il disco si apre con la suite in due parti della title track, quasi venti minuti che stabiliscono subito le regole del gioco — l'alternanza tra esplosioni di violenza sonora e derive eteree che ti lasciano sospeso. Ma il momento più rivelatore è Percées de Lumière: qui la melodia sognante e malinconica resta sempre in primo piano anche quando lo scream estremo di Neige entra in scena, e non ti aspetti che funzioni così bene. Chitarre distortissime che suonano melodiche, batteria che spinge senza schiacciare — è un contrasto che non ha niente a che fare con il black metal di maniera, fatto di blast beat e wall of sound fine a se stessi.

Il concept del disco — il viaggio di un uomo verso un'altra forma di esistenza, una realtà parallela da cui non si torna — non è solo un'idea scritta nel booklet. Lo senti, ma a una condizione: devi immergerti. Cuffie, ascolto attivo, nient'altro in sottofondo. Se lo metti in secondo piano, ti sfugge. Se ci entri dentro, è un'altra cosa.

Un progetto che non fa rimpiangere gli anni d'oro del black metal svedese, di tradizione Dissection. Sworn to the Dark è uno dei vertici del black metal moderno, un disco che ha tutto quello che ci si aspetta dal genere ma lo esegue con una qualità difficile da trovare: chitarre distorte, muri di suono potenti, blast beat, e melodie che non stonano ma anzi rafforzano l'atmosfera oscura complessiva.

L'apertura con Legions of the Black Light è già una dichiarazione d'intenti: venti secondi di assolo distorto, poi un blast beat forsennato che non lascia dubbi su cosa stai ascoltando. Da lì il disco non allenta mai la presa, alternando l'aggressività quasi death di Storm of the Antichrist — con quella variazione continua tra esplosioni e passaggi più controllati — ai crescendo più atmosferici di The Light that Burns the Sun, fino all'esplosione finale della title track. In alcuni momenti sembra di stare al confine tra black e death metal, e non è una sensazione spiacevole.

La chiusura spetta a Stellarvore: un inizio quasi rituale, un'atmosfera densa e oscura che sembra anticipare qualcosa di maligno — e quando il pezzo entra davvero capisci che quella sensazione era fondata. È una conclusione degna dell'intero disco.

La cosa che colpisce, e che non è affatto scontata in questo tipo di musica, è che molte tracce si fanno ricordare anche per ritornelli che rimangono in testa. In un disco di metal estremo è quasi un paradosso, e invece funziona. Per chi ama il black metal o vuole capire dove è arrivato negli anni duemila, Sworn to the Dark è un ascolto imprescindibile.

Two Hunters è uno di quei dischi che ti portano letteralmente da qualche altra parte. Quattro tracce lunghe, niente fronzoli, niente pause: o ci sei dentro o non ci sei.

Wolves in the Throne Room vengono dal Pacific Northwest americano, e quella natura selvaggia e opprimente la senti in ogni secondo del disco. Non è solo un'immagine evocativa: ci sono momenti in cui le chitarre e la batteria spariscono del tutto, e rimangono synth che costruiscono atmosfere eteree, sospese, insieme a suoni ambientali veri e propri. Non è decorazione — è parte integrante della struttura del disco. E quando il black metal torna, torna con tutto il suo peso.

Cleansing è forse il momento più emblematico di questo equilibrio. Prima arriva la voce di Jessika Kenney — angelica, quasi liturgica, con un sapore che non appartiene al metal ma a qualcosa di più antico — e nelle sue note c'è già qualcosa che prepara alla tempesta, quasi un presagio. Poi la tempesta arriva davvero. È uno dei passaggi più efficaci dell'intero disco.

Si può ascoltare in molti modi, ma il modo giusto è dall'inizio alla fine, in un'unica sessione. È un album pensato come un percorso, e saltare da una traccia all'altra vuol dire perdersi il senso del viaggio. Per chi conosce poco il black metal atmosferico, è probabilmente uno dei migliori punti d'ingresso possibili. Per chi il genere lo frequenta già, è semplicemente uno dei dischi che hanno definito come suona questa musica nel nuovo millennio.

Dopo il successo di Pain Remains, i Lorna Shore si riconfermano con questo nuovo disco come una delle band deathcore più rilevanti del momento. Quello che torna a colpire è la performance vocale di Will Ramos: scream e growl che lo fanno suonare come un alieno sceso sulla terra giusto per deliziarci con una vocalità fuori dal comune.

La formula del disco a livello sonoro è abbastanza in linea con quella del predecessore — deathcore a regola d'arte — ma nella parte finale le sonorità virano a tratti verso un death metal/brutal death più “classico” (tra virgolette, rimane un disco deathcore), il che aggiunge qualche sfumatura interessante.

E’ un buon disco ma non ci ha stupito particolarmene. Dopo qualche ascolto potrebbe annoiare, perché manca di quel guizzo di originalità.

Se sei arrivato qui cercando qualcosa di veramente estremo, qualcosa di lontano anni luce da qualsiasi cosa tu abbia sentito prima — beh, l'hai trovato. The Tenth Sublevel of Suicide è il disco d'esordio di Leviathan, one-man band di Jef Whitehead, conosciuto come Wrest, registrato interamente su un quattro tracce Tascam nella sua abitazione. Un quattro tracce è un registratore analogico portatile che permette di sovrapporre fino a quattro piste audio — voce, chitarra, basso, batteria — il minimo indispensabile per fare un disco da soli, senza studio, senza tecnico del suono. Non è una scelta estetica romantica: è la condizione materiale del disco, e si sente in ogni secondo. Il suono è lo-fi per necessità prima che per poetica, e quella ruvidezza diventa parte del linguaggio.

Il concept è dichiarato senza ambiguità dallo stesso Wrest: le diverse fasi di contemplazione verso l'autodistruzione. Non un disco sul dolore in senso generico, ma qualcosa di più preciso e più freddo. Il tappeto sonoro è distorto, alienante, costruito su ripetizioni ipnotiche che non cercano mai la risoluzione — più vicino a certe derive ambient di Burzum che al black metal nella sua forma tradizionale. Gli scream di Wrest si stagliano su questo fondo come qualcosa di quasi disumanizzato, spogliato di qualsiasi calore.

Non è un disco che coinvolge — o almeno, non nel senso convenzionale. È un ascolto che si rispetta più che si ama, che si avvicina con una certa distanza razionale: "vediamo fino a dove arriva". E arriva lontano. Per chi non conosce il genere, è forse il modo più onesto di approcciarlo: non aspettarsi emozione immediata, ma la disponibilità a stare dentro qualcosa di davvero diverso.

Filosofem è il quarto album di Burzum, progetto solista di Varg Vikernes — lo stesso che nel 1993 aveva ucciso Euronymous dei Mayhem. È un dato che va detto, perché ascoltare questo disco senza saperlo significa perdere una parte del peso specifico che si porta addosso.

Il disco esce nel 1996 ma era stato registrato nel marzo del 1993, pochi mesi prima dell'omicidio. E la storia della registrazione racconta già tutto sull'approccio: niente amplificatore, chitarra collegata allo stereo del fratello con un pedale fuzz, e il microfono peggiore reperibile. Una scelta deliberata, non una limitazione. Il risultato è una produzione lo-fi spinta all'estremo — più vicina all'ambient e al rumore che al metal tradizionale — eppure perfettamente coerente con quello che il disco vuole essere.

Perché Filosofem non è un disco black metal nel senso stretto: è qualcosa che si discosta dall'estetica della scena norvegese per abbracciare territori più rarefatti e ossessivi. I brani metal ci sono — Dunkelheit e Jesus Tod sono chitarre ronzanti e blast beat ipnotici — ma il centro di gravità del disco è altrove. La penultima traccia, Rundgang um die transzendentale Säule der Singularität, è venticinque minuti di synth ambient che ripetono la stessa figura in maniera quasi rituale. Assurda, ipnotica, impossibile da ignorare: ti lascia dentro qualcosa che non sai bene come definire.

È probabilmente il punto più alto raggiunto da Burzum. Un disco scomodo da ogni punto di vista — e forse è proprio per questo che funziona.

Pain Remains è un disco che spiazza fin dai primi secondi: brutale, epico, a tratti quasi soverchiante. I Lorna Shore costruiscono qui una forma di deathcore che guarda chiaramente al symphonic black metal dei grandi — Cradle of Filth, Dimmu Borgir — e ne assorbe la grandiosità orchestrale senza però perdere l'aggressività del genere di partenza. Il risultato è qualcosa di difficile da etichettare, e questo è già di per sé un merito.

Gli intro dei brani sono uno degli elementi più riusciti: le orchestrazioni aprono spazi enormi prima che tutto esploda, e funzionano come vere e proprie soglie tra due mondi. E poi c'è Will Ramos, il cui growl è talmente cupo e viscerale da sembrare a tratti non umano — uno strumento a sé, capace di aggiungere una dimensione quasi soprannaturale a tutto il disco.

Il vero picco, però, è la trilogia finale: Pain Remains I, II e III formano una suite di una ventina di minuti che sembra quasi un disco dentro il disco. Qui la band rallenta, respira di più, lascia che gli intrecci melodici e la componente epica prendano il sopravvento sull'aggressività pura. È il momento in cui tutto il potenziale del disco si cristallizza, e l'effetto è notevole.

Se c'è un limite, è che il disco è lungo — oltre un'ora — e nel corpo centrale qualche struttura tende a ripetersi, come se la band avesse trovato una formula vincente e la riapplicasse senza troppa variazione. Non è un difetto fatale, ma si sente. La trilogia finale riscatta tutto, e resta il motivo principale per cui vale la pena arrivare in fondo.

I Gorgoroth sono una delle band norvegesi più brutali del Black Metal. E questo album, Under the Sign of Hell, rispecchia perfettamente la loro brutalità. Un disco gelido — anche se l’immaginario del disco è spesso “vulcanico” e “caldo” — satanico, senza elementi sinfonici evidenti: la produzione è più rifinita rispetto al true Black alla Darkthrone, ma resta comunque grezza, lontana dalla pulizia di certe uscite più mainstream del genere.

È un suono che punta tutto sull’eneriga, sugli scream taglienti di Pest e su un'aggressività più spinta rispetto a band come Satyricon o persino Mayhem — meno rituale, più diretta e feroce.

Sicuramente un album da cui passare se si vuole approfondire l’evoluzione del black metal!

The Spin è il quarto album in studio dei Messa, band italiana doom metal di assoluto valore. L’atmosfera del progetto è profondamente dark, quasi gotica, con una produzione che abbraccia sonorità darkwave senza mai perdere l’identità doom del gruppo.

La voce di Sara Bianchin è il fulcro emotivo del disco: intensa e angelica, si amalgama con naturalezza al tessuto sonoro circostante. Le melodie e i riff di chitarra mantengono un’anima tipicamente doom, ma la band non si ferma lì — in brani come Immolation e The Dress, spingono verso territori progressive e persino jazz, con risultati che sono veri e propri gioielli dell’album.

Nemesis Divina esce nel 1996 ed è il terzo album dei Satyricon — nonché l'ultimo prima che la band virasse verso territori più industriali e commerciali. È un disco che va in una direzione diversa rispetto ai capisaldi della scena norvegese: meno grezzo e distruttivo di De Mysteriis Dom Sathanas, meno ideologicamente estremo di Transilvanian Hunger, ma non per questo meno riuscito. Semplicemente, è un altro tipo di black metal.

Lo si capisce già dall'apertura: The Dawn of a New Age parte con una tastiera che introduce un'atmosfera quasi cinematografica, poi esplode in un assalto di riff e blast beat che non lascia dubbi sul genere. Ma c'è qualcosa di più costruito, di più ambizioso rispetto alla scena precedente — una produzione che suona come una colonna sonora rispetto agli standard lo-fi dell'epoca, inserti sinfonici che aggiungono epicità senza togliere peso. Le strumentali sembrano a tratti svanire e riemergere, come porte che si aprono e si chiudono.

I testi celebrano la tradizione pagana e la natura nordica, e anche la copertina segna una rottura netta: niente foto amatoriali in bianco e nero, ma un'opera grafica ricca di colore e simbolismo, quasi fuori posto in un catalogo black metal del tempo.

Il centro del disco è Mother North — uno degli anthem più iconici dell'intero genere. Quello scream, quelle chitarre che si abbattono come un vento gelido del nord: è uno di quei brani che ti travolge prima che tu abbia il tempo di razionalizzare cosa stai ascoltando.
Uno dei lavori più significativi dei Satyricon e del black metal norvegese.

Probabilmente i puristi del black metal norvegese hanno strizzato le orecchie quando hanno ascoltato At the Heart of Winter (1999). Non più soltanto un assalto di blast beat e muri di chitarre: gli Immortal introducono elementi di thrash metal, cambi di ritmo e aperture melodiche che rendono il disco più accessibile — senza che questo sia una resa, anzi.

C'è una ragione concreta dietro questo cambio di rotta: Demonaz, chitarrista storico della band, fu costretto ad abbandonare lo strumento per una tendinite cronica. Abbath prese in mano le chitarre portando il suo stile naturalmente più melodico, e il risultato è un disco che suona diverso da tutto quello che era venuto prima — più epico, più cinematografico, costruito su composizioni lunghe e cariche di tensione.

Ed è proprio quella tensione il cuore del disco. Withstand the Fall of Time apre con un muro di suono dove la batteria sembra quasi trattenuta, in sospeso — poi arriva la calma, e poi esplodono i blast beat in tutta la loro forza. Tragedies Blows at the Horizon funziona allo stesso modo: suono martellante, poi la quiete, una melodia che ovatta tutto, ti culla quasi — e poi rientra la furia, le chitarre distorte e lo scream di Abbath che travolgono. Brani costruiti su momenti di suspense che non ti aspetti in un disco black metal.

Un lavoro che ti trascina in un inverno gelido dal respiro quasi epico. Uno dei dischi più riusciti del genere.

Album di debutto per questa band death metal italiana, e che debutto: Catechesis si candida fin da subito come un instant classic del genere. Il livello è altissimo — i Patristic riescono a mescolare con equilibrio quasi perfetto momenti di death metal tecnico e aggressivo con atmosfere di chiara matrice black metal, senza che nulla suoni forzato o fuori posto. La batteria è uno dei punti di forza assoluti: cambi di ritmo e variazioni di velocità continui, mai fini a se stessi.

L’album è freddo, immersivo, a tratti brutale — le tracce scorrono collegate l’una all’altra come un unico flusso oscuro. Gran disco!

Gli Helloween sono giganti del power metal europeo, e Giants & Monsters — ben il diciassettesimo disco — dimostra che sanno ancora farlo alla grande. Un album che scorre piacevolmente, con riff di chitarra eseguiti a regola d'arte e un equilibrio riuscito tra momenti power nel senso più classico del termine e aperture più hard rock.

Le voci di Andi Deris, Michael Kiske e Kai Hansen sono sempre pulite, dal tono epico come da tradizione. Arrivare al diciassettesimo disco senza perdere identità non è cosa da poco.

Se si vuole un disco che rispetta le regole del genere e riporta ai tempi d'oro, questo è il posto giusto. Se si cerca sperimentazione, meglio guardare altrove.

In the Nightside Eclipse esce nel 1994, stesso anno di De Mysteriis Dom Sathanas dei Mayhem — e già questo la dice lunga su quanto fosse fertile quel momento per il black metal norvegese. Ma se il disco dei Mayhem è un monolite di oscurità primordiale, quello degli Emperor è qualcosa di diverso: più stratificato, più ambizioso, costruito su una visione sonora precisa.

Non è solo il solito muro di chitarre gelide e produzione lo-fi. Le tastiere portano una dimensione sinfonica che trasforma il disco in qualcosa di epico, quasi mistico — e "mistico" non è una parola buttata lì. Basta ascoltare Inno a Satana: parte con un giro di chitarre riconoscibile, poi si apre in un muro di suono che ha qualcosa di luminoso, quasi ieratico, ben lontano dall'aggressione pura. Oppure The Majesty of the Night Sky, che si apre con uno scream demoniaco di quelli che ti rimangono in testa. È proprio questa scelta melodica e atmosferica che distingue il disco dalla concorrenza: non ti arriva solo la forza bruta, c'è una costruzione emotiva dietro.

Anche l'immaginario dei testi si discosta dal satanismo esplicito tipico della scena — l'unica eccezione è proprio Inno a Satana — per abbracciare qualcosa di più vicino al dark fantasy. Un'estetica coerente con la musica, che punta sull'evocazione più che sulla provocazione.

Uno dei migliori dischi dell'intera wave norvegese.

Se De Mysteriis Dom Sathanas dei Mayhem è il monolite oscuro della scena norvegese, Transilvanian Hunger dei Darkthrone è il suo lato più estremo e radicale. Stesso anno, 1994, ma un passo ulteriore verso il baratro: qui siamo all'apoteosi del lo-fi, un suono così grezzo e volutamente degradato da sembrare, ai primi ascolti, quasi solo rumore. Non è un difetto — è una dichiarazione d'intenti.

Fenriz registrò tutto da solo su un quattro piste in casa, e quella scelta si sente in ogni secondo: chitarre che tagliano come lame di ghiaccio, blast beat ipnotici, la voce di Nocturno Culto ridotta a un urlo congelato sepolto nel mix. Il minimalismo non è pigrizia — è ideologia. Rifiuto totale di tutto ciò che il metal era diventato negli anni precedenti: produzioni lucide, tecnicismi, concessioni al pubblico. Niente di tutto questo sopravvive qui.

È un disco difficile, forse il più difficile dell'intera scena norvegese. Richiede disponibilità e attenzione: se non ci si sintonizza, rimane rumore bianco gelido. Ma chi riesce ad entrarci trova qualcosa di coerente fino all'ossessione — il cuore ideologico ed estetico di quello che il retro copertina proclamava senza mezzi termini: True Norwegian Black Metal.

Insieme al lavoro dei Mayhem, è il disco che ha definito il genere più di qualsiasi altro. Un punto di riferimento obbligatorio per capire da dove viene il black metal e dove poteva arrivare.

I Dropout Kings sono una band nu metal/rap metal americana e Yokai è il loro terzo disco in studio. La formula richiama quella dei Linkin Park — alternanza tra parti cantate e rappate, chitarre pesanti e ritornelli accessibili — ma con una componente rap più spinta e un suono metal più aggressivo. Molte tracce sono orecchiabili grazie a melodie riuscite, come Baka o Black Sheep.

Il problema è una marcata disomogeneità di suono che disorientare e non lascia capire la direzione del disco: c'è il trap metal della title track, ma anche una First Day Out che suona come la sigla di una sitcom liceale americana.

Stesso discorso per i riferimenti al Giappone e alle frasi in giapponese disseminate nel disco: un tocco estetico che sembra fine a sé stesso, senza un intento preciso né una coerenza con il resto. È un disco che può lasciare perplessi.

A Void Within Existence è il sesto disco in studio degli Abigail Williams, band americana che nel tempo si è allontanata dalle radici symphonic black metal verso un suono più atmosferico e post.

Fino a Still Nights il disco spinge forte: chitarre compatte, blast beat vigorosi, un wall of sound grezzo ma rifinito che segue una scia black metal più tradizionale. Nelle ultime tracce la band vira verso sonorità più sinfoniche e melodiche, con risultati discreti ma meno incisivi.

Tecnicamente non c'è nulla da eccepire, ma è la performance vocale il punto più debole: lo scream non spicca per originalità né per riconoscibilità, e in un genere dove la voce può fare la differenza, questa piattezza si fa sentire. Un disco solido ma non memorabile.

Slipknot esce nel 1999 ed è il disco di debutto della band iowa­na — nove membri, ognuno con una maschera e un numero, tute da lavoro insanguinate. Non è solo un'estetica: è parte integrante del suono, un'identità disturbante che si sente in ogni traccia e che li ha resi immediatamente riconoscibili nel panorama nu metal dell'epoca.

Il nu metal era già un genere in fermento — heavy metal, influenze rap, suoni industriali — ma gli Slipknot ci portano qualcosa di più aggressivo e meno commerciale della media. Mood violento, testi che parlano di alienazione e rabbia repressa, una produzione volutamente grezza che non ammorbidisce niente.

Diverse tracce meritano menzione, ma tra queste sicuramente (SiC), che parte con un muro di suono che non lascia scampo fin dalle prime note. Tattered & Torn costruisce un'atmosfera ansiogena da film horror, con suoni distorti che sembrano sirene. Wait and Bleed è il momento più accessibile del disco — approccio melodico nel canto, l'unica concessione a qualcosa di più radiofonico — e non è un caso che sia diventata la traccia più conosciuta.
Il fattore visivo — le maschere grottesche, le tute, l'immaginario da incubo — non è separabile dalla musica: si carica di quel suono e lo amplifica, creando qualcosa che va oltre il semplice ascolto.

Un disco fondamentale per capire il metal di fine anni '90 e l'evoluzione del genere nel decennio successivo.

Born of Osiris, veterani del metalcore tecnico americano, arrivano al loro settimo disco. L'album si fa ascoltare. È un metalcore che però in alcuni brani introduce anche elementi del metal più tradizionale, con assoli di chitarra, e alcune melodie nei ritornelli più pop, se vogliamo dirlo così. Arriva anche in un momento di passaggio per la band, ridotta a power trio dopo l'uscita del chitarrista storico Lee McKinney, e questo forse si sente in un suono che cerca ancora il proprio equilibrio.

Complessivamente però è un disco che fatica a lasciare il segno: strutture a volte forzate, un suono spesso troppo rifinito da sembrare finto e sintetico.

Questa band era già riuscita a sconvolgere tutti nel 2013 con l'uscita di un disco quasi "rivoluzionario" come Sunbather. Negli ultimi anni, i Deafheaven avevano però abbandonato quel suono propriamente black a favore di sonorità più shoegaze, con un cantato ripulito dagli scream delle origini. Lonely People With Power ribalta tutto, e non è azzardato dire che sia il loro lavoro più riuscito.

In sostanza hanno preso tutti gli elementi che funzionavano nei dischi precedenti e li hanno fusi, tornando allo scream e conferendo al suono una componente black metal ancora più marcata. Il risultato è un lavoro di maturità incredibile: le atmosfere sognanti e post-rock del passato vengono riprese, ma le melodie sono sommerse sotto chitarre distorte, batterie potenti e una forza sonora devastante. L'effetto complessivo è catartico: muri di suono che si abbattono e si aprono in momenti di struggente intensità emotiva.

Lonely People With Power raggiunge picchi incredibili: nella progressione sonora degli ultimi due minuti di Doberman, nell'attacco di Amethyst o in Revelator, una delle tracce black metal più potenti degli ultimi anni. George Clarke è qui in stato di grazia, il suo scream un grido disperato che amplifica i temi del disco: solitudine, dolore e potere distruttivo. Un album che scuote, travolge e resta dentro. Capolavoro assoluto.

De Mysteriis Dom Sathanas è una pietra miliare del black metal norvegese — e non è un'etichetta che si usa a cuor leggero. Siamo nel 1994, al culmine di una scena nata per essere l'antitesi di tutto ciò che il metal era diventato: produzioni lo-fi, estetica nichilista, nessuna concessione. Il punto di partenza era letteralmente un sottoscala — Helvete, il negozio di vinili di Euronymous a Oslo — e da lì era partita una corrente sotterranea destinata a ridisegnare i confini del genere.

Il disco non è di facile ascolto, e non cerca di esserlo. I blast beat di Hellhammer e le chitarre di Euronymous costruiscono un muro sonoro grezzo e glaciale, ma è la voce di Attila Csihar a fare la differenza. Non è il tipico scream del black metal nordico: è qualcosa di più strano e perturbante, quasi liturgico, con cadenze che ricordano un rito in latino. È lui a dare alla title track quella dimensione oscura e cerimoniale che la rende probabilmente il momento più satanicamente convincente dell'intero genere — non per brutalità, ma per atmosfera.

Non mancano momenti più diretti: Freezing Moon ha un assolo capace di travolgere anche chi non è abituato a certe sonorità. Ma il disco nel complesso richiede tempo e disponibilità.

Ne valeva la pena. Negli anni successivi quella scena avrebbe prodotto i lavori di Satyricon, Immortal, Gorgoroth, e poi si sarebbe ramificata in direzioni sempre più atmosferiche dimostrando che il seme piantato qui poteva crescere in mille forme diverse. De Mysteriis Dom Sathanas è praticamente dove tutto comincia.

Se cercavi un disco mathcore di altissimo livello lo hai trovato. I Don't Want to See You in Heaven è il terzo disco in studio dei Callous Daoboys, band di Atlanta, ed è un lavoro riuscito praticamente sotto ogni punto di vista. Carson Pace riesce a passare in modo del tutto naturale da ritornelli con melodie pop a strofe urlate — mix di growl hardcore e scream metalcore — senza che la cosa suoni mai forzata. Caotico, sì, ma con un caos che sembra avere una logica interna, qui rafforzata anche dal concept: il disco è presentato come un reperto ritrovato tra 300 anni, un "manufatto museale" da cui Pace guarda al proprio vissuto più personale, il resoconto più autobiografico della band fino ad oggi.

Le strumentali alternano ritmi lenti e veloci, passaggi aggressivi, cambi continui di velocità e intensità, in pieno stile mathcore. In alcune tracce la produzione si arricchisce anche di elementi insoliti per il genere, come synth, violini e sax. Two-Headed Trout è tra i momenti più riusciti: arrangiamenti incredibili, un ritornello super catchy e un bilanciamento perfetto tra cantato melodico e l'aggressività di chitarre e batteria, che poi si riversa nello scream. Ma basta ascoltare anche Full Moon Guidance per capire la capacità di questa band di muoversi con disinvoltura su territori ibridi tra pop e metal in maniera incredibile.

In definitiva, uno dei dischi metal da ricordare per il 2025.

Tsunami Sea è il secondo disco ufficiale degli Spiritbox, band heavy-metal/metal-core canadese.

Il disco si muove su coordinate prettamente metalcore, con un contrasto che funziona: strofe più dure e ritornelli in cui la voce “pulita” della cantante Courtney LaPlante vira su tonalità quasi pop.

I testi ruotano attorno alla salute mentale, giocando sulla metafora del mare: qualcosa che può calmarti oppure travolgerti completamente. Anche la produzione, soprattutto nei momenti più elettronici, richiama questa idea di “liquidità”, dando al suono una certa coerenza e originalità.

Nel complesso, è veramente un ottimo album, diretto ma curato, che sa comunicare fin dai primi ascolti.

Alcuni dischi entrano nel crate in silenzio. Il voto parla da sè.

Gli Eluveitie sono da anni uno dei punti di riferimento del folk metal, e il loro marchio di fabbrica è riconoscibile: testi in gallico antico, progressioni folk dove chitarre e cornamusa si dividono la scena alla pari. Ànv non tradisce quella formula ma il problema è che la formula, questa volta, suona troppo controllata.

Il disco è rifinito fino quasi all'artificioso. Manca quel layer grezzo che rende certi loro lavori davvero viscerali, e dopo i primi ascolti non emergono quelle melodie dal sapore nordico che ti restano in testa. L'arrivo della nuova violinista e hurdy-gurdy player Lea-Sophie Fischer non sposta l'ago: il suono complessivo rimane levigato, quasi asettico, lontano dall'urgenza che ci si aspetterebbe.

I picchi però ci sono, e quando arrivano fanno sentire la differenza. Taranoías apre con una violenza quasi death e poi esplode in un ritornello immenso, uno dei brani più riusciti dell'intera carriera del gruppo. The Harvest si muove in territorio simile, con quella spinta melodeath che dà al disco i suoi momenti più convincenti. Il problema è che il resto non regge il confronto, e tra un picco e l'altro Ànv scorre senza graffiare.

Per i fan della band vale comunque l'ascolto, soprattutto per quei due brani. Per chi si avvicina agli Eluveitie per la prima volta, ci sono dischi più iconici da cui partire.

Sette anni di silenzio, la morte di Chester Bennington, e poi il ritorno con una voce nuova: Emily Armstrong, ex Dead Sara, chiamata a raccogliere un'eredità che in pochi avrebbero voluto toccare. Per i fan storici accettarlo non è scontato. Eppure From Zero — titolo che richiama Xero, il nome originale della band — riesce a non tradire lo spirito di quello che i Linkin Park sono stati.
Armstrong convince. Non cerca di imitare Chester né di prendere le distanze: porta una veste nuova che però rimane coerente con il DNA della band. Alternative, nu metal, quella formula che i Linkin Park hanno costruito negli anni — qui funziona ancora, e lei ci sta dentro con naturalezza.

I momenti migliori del disco lo dimostrano senza bisogno di spiegazioni. The Emptiness Machine, Heavy Is the Crown, Two Faced — brani che seguono la formula classica, melodicamente e musicalmente riconoscibili, con la giusta carica. Two Faced è la più aggressiva, quella che più di tutte ricorda il suono dei primi dischi.

Non passerà alla storia come Hybrid Theory o Meteora. Ma un ritorno sette anni dopo, con una line-up in parte rinnovata, che riesce a sembrare ancora Linkin Park senza sembrare una copia di sé stesso — non era affatto scontato.

I Dream Theater sono tra i fondatori del Progressive Metal e questo è un gioiello del genere. Un album must listen, dove troviamo solo sessioni strumentali ricercate ma anche tanta melodia e pezzi forse più “pop” ma unici. Images and Words è il secondo album dei Dream Theater, uscito nel 1992, ed è uno di quei dischi che hanno letteralmente creato un genere. Il progressive metal come lo conosciamo oggi — tecnica sopraffina, strutture complesse, cambi di tempo continui — deve moltissimo a questo disco. È anche il primo con James LaBrie alla voce, che porta un range vocale esteso e una presenza melodica che rendono il tutto più accessibile di quanto la complessità strumentale lascerebbe supporre.

Ed è proprio questo l'elemento che rende Images and Words un disco raro nel suo genere: non è solo tecnica. C'è tanta melodia, ci sono momenti quasi pop, e l'equilibrio tra i due poli non vacilla mai. Petrucci alla chitarra e Kevin Moore alle tastiere dialogano in modo quasi orchestrale, costruendo architetture sonore che crescono ascolto dopo ascolto — ma senza mai perdere il filo emotivo.
I due poli del disco sono anche i suoi momenti più alti. Pull Me Under apre con un'intro melodica che non prepara a quello che arriva dopo: quando il brano esplode nella sua parte più tecnica e aggressiva, il cambio è quasi fisico — ti arriva addosso. Otto minuti che non sembrano mai troppi, e l'unico singolo top 10 che i Dream Theater abbiano mai avuto. Another Day è l'opposto in tutto: una ballata dalla forza emotiva rara, sorretta da un assolo di sassofono di Jay Beckenstein che è uno dei momenti più inattesi e riusciti del disco.

Le tracce più lunghe e ambiziose — Metropolis Pt. 1, Learning to Live — sono tecnicamente ineccepibili, forse meno trascinanti emotivamente, ma dimostrano la profondità compositiva di una band che non si accontenta mai di restare in un unico registro.

Un disco fondamentale, che può essere apprezzato anche da chi normalmente non si avvicina al metal. Raro che tecnica e melodia convivano così bene.